Comme nous le savons, rien ne vaut la découverte d'un bijou ancien historique en vrai. Tenir la pièce dans la paume de la main, sentir le repoussé ou le cannetille en or du bout des doigts et plonger le regard dans les braises d'une pierre précieuse flamboyante. Mais il y a aussi quelque chose de si romantique à voir le style des bijoux que nous côtoyons chaque jour magnifiquement stylisé et peint dans des portraits.
De l'éclat des gouttes de perle dans La Jeune Fille à la perle, au décolleté scintillant en acier découpé de Catherine la Grande, l'histoire des bijoux s'est assurément apprise en contemplant ces portraits anciens et décadents de souverains, muses et hommes et femmes de la haute société.
Portrait de Catherine II de Russie, vers les années 1780, Source - Wikimedia Commons
Il suffit de jeter un œil aux fascinants Albums Brogden dans la collection du Victoria and Albert Museum pour voir comment les dessins de bijoux étaient rendus et illustrés. Comment ont-ils capturé l'éclat des perles lustrées, ou le scintillement des diamants ? Plus important encore, en art, les bijoux étaient plus qu'un simple reflet de la richesse, ils aident à capturer et à raconter l'histoire de la peinture.
Illustration de pendentif des Albums Brogden, vers 1860, Source - Le Victoria and Albert Museum
Nous avons choisi ci-dessous quelques-unes de nos nombreuses peintures préférées, afin que vous puissiez admirer à quel point ces œuvres étaient extraordinaires, ainsi que vous émerveiller de la manière dont elles ont été peintes avec tant de minutie et de réalisme.
Achille parmi les filles de Lycomède
Achille parmi les filles de Lycomède, vers 1650, Jan Boeckhurst, Source -Wikimedia Commons
Conservée au Musée National de Varsovie, cette peinture de style classique représentant Achille parmi les filles de Lycomède attire le regard de nombreuses façons. Mais, au centre de la composition, se trouve un bol scintillant de bibelots, avec un rang de perles décadentes passant entre les doigts de la femme. Ce fut un moment clé dans la légende d'Achille. Dans la mythologie grecque antique, la mère d'Achille, craignant que son fils ne meure au combat, le dissimula en femme dans la maison du roi Lycomède. Les chefs grecs étaient bien sûr méfiants, alors ils placèrent devant les femmes un bol débordant de bijoux étincelants et d'armes en guise de cadeaux. Contrairement aux autres femmes, Achille se dirigea immédiatement vers les épées et les boucliers, révélant ainsi sa véritable identité.
Détail de Achille parmi les filles de Lycomède, vers 1650, Jan Boeckhurst, Source -Wikimedia Commons
Fait intéressant, Achille est placé dans l'ombre, la lumière étant portée sur le centre des bijoux. Tout comme les filles de Lycomède, nous avons instinctivement envie de saisir ces bijoux aussi.
Portrait de Julia Telyakvskova
Portrait de Julia Telyakvskova, vers 1840-1860, Gravrii Yakolev, Source - Wikimedia Commons
Ce portrait du XIXe siècle de Julia Telyakovskova est absolument magnifique. Mais regardez ces bijoux ! Ce portrait est conservé au musée de l'Ermitage. Bien que la personne représentée soit nommée, on dispose de peu d'informations sur son identité. Mais il est clair qu'elle est habillée en noble russe distinguée de la haute société. Sa coiffure joliment enroulée est ornée de bijoux, et elle porte une pile impressionnante de bracelets. D'un serpent symbolisant l'engagement au bracelet peint de son mari, nous pouvons lire beaucoup sur la façon dont cette femme est vêtue et parée. Bien que les bijoux eux-mêmes soient atypiques des styles victorien et géorgien.
Détail du Portrait de Julia Telyakvskova, vers 1840-1860, Gravrii Yakolev, Source - Wikimedia Commons
Portrait de Selvaggia Sassetti
Portrait de Selvaggia Sassetti, vers 1487-88, David Bigordi, Source - The Metropolitan Museum of Art
Dès que nous avons vu ce portrait saisissant de Selvaggia Sassetti, et CE magnifique collier de perles de corail, nous avons dû l'inclure dans ce blog. Actuellement dans la collection du Metropolitan Museum of Art, on pense que ce portrait est en fait un portrait de mariage. C'est pourquoi elle est représentée portant les plus belles et éclatantes perles de corail. Le corail était souvent représenté sur le décolleté des élites de la Renaissance, non seulement parce que c'était à la mode et coûteux, mais aussi parce qu'on croyait qu'il symbolisait la passion du Christ et c'est souvent la pierre précieuse choisie pour quelques portraits de la Madonna. Sans oublier que le corail symbolisait aussi la fertilité, ce qui est peut-être approprié pour un portrait de mariage comme celui-ci !
Détail de Portrait de Selvaggia Sassetti, vers 1487-88, David Bigordi, Source - The Metropolitan Museum of Art
La Madeleine pénitente
La Madeleine pénitente, vers 1594-1596, Michelangelo Caravaggio, Source - Wikimedia Commons
Ce n'est pas seulement les bijoux que porte le modèle qui ont un impact, mais aussi la manière dont l'absence de bijoux est représentée. Prenez le portrait de la Madeleine pénitente de Caravaggio, avec un collier de perles, des boucles d'oreilles en forme de nœud de perles, un bracelet et un long collier en filigrane d'or simplement abandonnés sur le côté. C'est une peinture très chargée émotionnellement, car Marie-Madeleine est courbée, la tête baissée dans le chagrin. Les bijoux symbolisent sa vie dissolue, alors qu'elle abandonne son ancienne vie après l'Ascension de Jésus et se repent dans le désert. Les bijoux étaient unanimement considérés comme des objets féminins et un signe de rang distingué. Mais aussi, cette œuvre a été peinte pendant la Réforme et la Contre-Réforme, où les idéaux de décadence étaient également associés à la débauche. Cela dit, les bijoux jetés de côté font aussi allusion au passé de prostituée de Marie-Madeleine. À l'époque, cette peinture était en fait très novatrice, car son réalisme représentait un énorme changement par rapport à la manière dont Marie avait été auparavant représentée en portrait.
Détail de la Madeleine pénitente, vers 1594-1596, Michelangelo Caravaggio, Source - Wikimedia Commons
La Grace Rose
Frederick Sandys, 1829–1904, Britannique, Grace Rose, 1866, Huile sur panneau, Yale Center for British Art, Paul Mellon Fund, B1993.20
Ce portrait de 1866 de Frederick Sandys représentant Grace Rose est typique du style préraphaélite. Entourée de magnifiques roses roses et rouges, le regard est attiré vers les yeux bleus de Grace, la bordure bleue de sa robe, ainsi que sa bague cabochon bleu clair. Mais ce qui frappe encore davantage, ce sont ses somptueux bijoux en or brillant. Son collier sphérique en or, ses boucles d'oreilles de style Renaissance étrusque et son bracelet torque de style gaélique semblent rayonner sur sa peau pâle. Souvent, les peintures préraphaélites représentaient leurs sujets féminins comme des figures mythologiques, et le choix des bijoux portés par le modèle reflétait cela. Par exemple, dans une autre de ses œuvres célèbres, La Hélène de Troie peinte en 1867, son modèle aux cheveux roux est représenté portant deux colliers magnifiques, un collier en or et corail en guirlande et un collier à franges de corail. Comme mentionné précédemment, le corail était considéré comme associé à la fois à la divinité et à la richesse, ce qui en faisait un choix approprié pour ce qui était considéré comme la plus belle femme du monde. Bien que nous ne puissions pas être entièrement certains de l'identité que Sandys cherchait à représenter, et que nous ignorions si ce portrait a des origines mythologiques, le nom pourrait être une allusion au stéréotype de la Rose anglaise, symbole de beauté qui dominait l'époque victorienne.
Frederick Sandys, 1829–1904, Britannique, Grace Rose, 1866, Huile sur panneau, Yale Center for British Art, Paul Mellon Fund, B1993.20
Portrait de Couronnement de l'Impératrice Joséphine
Portrait de Couronnement de l'Impératrice Joséphine, vers 1807-1808, Baron François Gérard, Source - Wikimedia Commons
Et enfin, mais certainement pas des moindres, le portrait de couronnement de l'Impératrice Joséphine, épouse de Napoléon Bonaparte. Tout au long de sa vie, l'Impératrice Joséphine est représentée portant une myriade de bijoux, d'une parure de camées à l'envoûtante collection d'Émeraudes et de Diamants qu'elle porte ici. Il est important de noter qu'une grande partie des bijoux représentés dans les peintures peut ne pas exister réellement, cependant, nous avons des raisons de croire que cette création en Émeraude que Joséphine porte existait et existe toujours. Par l'intermédiaire des descendants de Joséphine dans la famille royale norvégienne, une grande partie de ses bijoux supposés se trouve parmi les joyaux de la couronne norvégienne, dont beaucoup présentent des similitudes stylistiques avec les pièces que Joséphine portait dans certains de ses portraits. Cela dit, ils ont aussi pu être démontés et incorporés dans cet ensemble d'Émeraudes offert par Napoléon et Joséphine à leur fille Stéphanie de Beauharnais, aujourd'hui conservé au Victoria and Albert Museum. Néanmoins, la splendeur et la richesse de ce portrait sont indéniables, tout cela réalisé par le pouvoir des bijoux.
Détail du Portrait de Couronnement de l'Impératrice Joséphine, vers 1807-1808, Baron François Gérard, Source - Wikimedia Commons