Tout le monde aime la joaillerie Art Déco, n'est-ce pas ? Débordant de décadence, les pièces Art Déco sont dans une toute autre catégorie ! Célèbres pour leurs designs architecturaux verticaux, leurs traits audacieux et leur palette de couleurs étudiée, la joaillerie Art Déco est synonyme des festivités glamour et débridées des années folles, la même époque où elles ont été créativement conçues.
La raison pour laquelle la joaillerie Art Déco est si vénérée est qu'elle était, à l'époque, complètement révolutionnaire dans sa forme.
Sans oublier que, techniquement, la joaillerie Art Déco bénéficiait des avancées économiques et technologiques. Des lapidaires et machines sophistiqués permettaient une multitude de nouveaux designs, chacun aussi extravagant que le précédent. Mais quels étaient les joailliers qui se sont épanouis dans le boom d'après-guerre et d'après-pandémie ? Découvrons-le.
Paul Emile Brandt
Également reconnu pour ses contributions étincelantes à la joaillerie Art Nouveau, Paul Emile Brandt s'est véritablement affirmé et a consolidé son impact dans les années 1920. Les collections de Brandt présentaient une palette monochromatique distincte d'Or blanc, d'Émail noir et de Diamants (qui était également largement associée à la joaillerie Art Déco dans son ensemble !).
Né en Suisse en 1883, Brandt émigra à Paris à sa majorité. En Europe, et dans le monde, Paris était le berceau des mouvements artistiques Art Nouveau et Art Déco, si bien que Brandt s'épanouit naturellement dans cet environnement, ses pièces figurant toujours sur les listes de souhaits de nombreux collectionneurs. Il exposa largement aux expositions internationales des années 1920, présentant des pièces devenues emblématiques du style Art Déco, dominé par les cercles, les formes triangulaires et les rectangles. Il jouait avec les formes géométriques et les pierres précieuses, son approche ludique culminant en quelque chose d'encore plus sophistiqué.
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Durant cette période, les créations les plus recherchées de Brandt étaient des étuis à cigarettes laqués et des minaudières, avec des formes géométriques frappantes mais simples, lourdement ornées de bijoux. Brandt avait également la curiosité d'expérimenter avec la lumière et la joaillerie. Par exemple, il juxtaposait intentionnellement des plaques de gemmes opaques comme le lapis-lazuli avec des pierres précieuses transparentes, étincelantes et hautement réfléchissantes comme le cristal de roche et les diamants.
Brandt a continué à créer ses pièces jusqu'aux années 1930. Sa dernière exposition a eu lieu en 1936, après quoi il s'est tourné vers des activités plus industrielles. Cela tombait d'ailleurs à point nommé, avec la menace imminente de la Seconde Guerre mondiale sur l'Europe. Après la Seconde Guerre mondiale, il a ouvert sa propre entreprise de boîtes en étain, abandonnant complètement la joaillerie, mais il a indéniablement laissé son empreinte sur la joaillerie Art Déco.
Raymond Templier
Influencé par le cubisme et le rythme de la production industrielle, Templier a joué un rôle clé dans le passage esthétique des détails complexes aux formes fortes et simplifiées. Tout comme Brandt, Templier travaillait à Paris, mais il possédait une riche expérience et connaissance intime. Né en 1891 dans une famille de bijoutiers, Templier a grandi entouré de bijoux de la fin de l'époque victorienne puis de la Belle Époque, mais il gardait clairement un œil sur le monde et les modes en rapide évolution. En 1919, lorsqu'il a rejoint l'entreprise familiale, il a rejeté l'approche traditionnelle de sa famille, associant et contrastant une géométrie sinueuse avec des lignes et formes angulaires.
"Femme Au Miroir", vers 1916, Jean Metzinger, Source - Wikimedia Commons
Fait intéressant, Templier percevait la joaillerie dans les merveilles de la production industrielle. C'est dans les années 1920 que de plus en plus de personnes ont eu accès aux voitures et automobiles, et on peut facilement imaginer comment cela a changé le paysage visuel de l'époque, avec des voitures et des véhicules filant dans les rues. Le bruit, l'audace, la vitesse et la machinerie ont amené Templier à envisager la joaillerie de la même manière.
Templier utilisait principalement les métaux glacés comme l'argent, l'or blanc et le platine en association avec des aigue-marines, du lapis-lazuli et du corail. Il associait des triangles inversés et des rectangles avec des courbes et des arcs dans une myriade de combinaisons. Il utilisait parfois de l'émail pour ajouter une touche de couleur, mais ses pièces étaient largement monochromatiques.
Les créations de Templier pourraient également être classées comme Art Moderne ainsi que Art Déco, qui était essentiellement une approche plus épurée et horizontale plutôt que verticale, stylisée et géométrique. Il est resté fidèle à ses inspirations audacieuses et audacieuses tout au long des années 1940 et 1950, lorsque les modes ont changé. En fait, nous pensons qu'il serait un invité fantastique pour un dîner, car nous pouvons facilement imaginer ses excentricités et son esprit intrépide.
Les frères Lacloche
Leopold, Jacques, Jules et Fernand Lachloche, également connus sous le nom de Lacloche Freres ou les frères Lacloche, furent parmi les créateurs de bijoux et marques de joaillerie les plus prospères durant la période Art Nouveau et Belle Époque, faisant de Lachloche un nom synonyme de certaines des plus belles joailleries du début du XXe siècle - et leur éclat ne s'est certainement pas estompé dans les années 1920 !
On pourrait naturellement supposer que ces quatre frères étaient nés dans le commerce de la joaillerie, mais en réalité, leur père était un marchand de textiles. Chacun des quatre frères possédait sa propre entreprise de joaillerie en France et en Espagne, mais ce n'est qu'après la mort tragique de Jules en 1900 que les trois autres frères se réunirent. S'installant à Paris, dans la rue de la Paix, en 1901, Lachloche Freres vit le jour ! Ces trois frères prirent la décision consciente de ne sélectionner que les pièces les plus fines à exposer dans leur boutique, travaillant avec certains des designers et ateliers les plus talentueux de Paris à l'époque. Lachloche Freres bâtit rapidement sur ce succès et prit une décision exécutive et réfléchie d'ouvrir stratégiquement des boutiques dans des stations balnéaires populaires comme Biarritz, Cannes, Saint-Sébastien, Monaco et Nice - attirant ainsi l'attention des riches mondains américains et britanniques.
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En fait, Lacloche Freres a collaboré avec certains des noms les plus historiques et prestigieux du secteur de la joaillerie, notamment Lalique, Verger et Paillet. Pendant la période Art Déco, ils se sont concentrés sur des pièces coûteuses et prestigieuses telles que des bracelets en diamant, des tiares, des étuis à maquillage en nacre et des épingles jabot colorées. Ils s'inspirèrent largement du Japonisme et de la Chinoiserie, intégrant fortement des motifs japonais et chinois dans leurs créations. Après avoir exposé à l'exposition internationale de 1925, ils remportèrent un Grand Prix !
Après le krach boursier de Wall Street en 1929, il ne fallut pas longtemps avant que Lachloche Freres ne ressente les effets dévastateurs. En 1931, les frères déposèrent le bilan et fermèrent définitivement leur entreprise. Cela dit, Jacques Lachloche continua dans le secteur de la joaillerie à une échelle plus réduite et plus sélective, avec des clients tels que la princesse Grace de Monaco.
Les frères Rubel
Ce n'étaient pas seulement les Lacloche Freres qui dominaient la scène joaillière parisienne, mais les frères Rubel possédaient l'un des ateliers de joaillerie les plus renommés des années 1920 et 1930. Travaillant en étroite collaboration avec Van Cleef & Arpels tout au long de leur carrière, Jean et Robert Rubel sont en réalité nés en Hongrie, ayant auparavant dirigé une entreprise de joaillerie prospère à Budapest.
Notamment, Robert Rubel joua un rôle clé dans la participation de Van Cleef & Arpels à l'exposition internationale de Paris en 1925. En fait, il contribua à la création du somptueux bracelet « roses » en rubis et diamants qui valut à Van Cleef & Arpels un Grand Prix ! Les Rubel et Van Cleef & Arpels entretenaient une relation de travail étroite pendant 20 ans. À tel point que les Rubel furent invités à superviser l'atelier Van Cleef & Arpels à New York, qui fut le lieu et le moment où Van Cleef & Arpels créa ses célèbres broches ballerines (selon la légende, Jean Rubel vit une danseuse de flamenco et en fut tellement fasciné qu'il ordonna sa réalisation).
Cela dit, ce sont aussi ces broches danseuses qui les ont vus se séparer de Van Cleef & Arpels en 1943, ouvrant une boutique sur la 7e Avenue à New York. Leur neveu prit la direction de l'atelier parisien de joaillerie, mais comme la plupart des joailliers pendant la Seconde Guerre mondiale (en particulier les joailliers juifs à Paris), leur activité diminua considérablement. Ils ont néanmoins laissé l'un des legs les plus durables au monde, et détiennent peut-être la clé de certains des secrets les mieux gardés de la joaillerie de l'époque.
Suzanne Belperron
Nous avons en fait présenté Suzanne Belperron dans notre blog de la Journée internationale des femmes l'année dernière, mais nous restons toujours aussi fascinés par elle et par l'héritage durable qu'elle a laissé dans le monde de la joaillerie.
Belperron n'est pas seulement l'une des femmes joaillères les plus influentes du siècle passé, mais elle est aussi l'une des joaillères majeures de l'histoire. Initialement employée chez Boivin, Belperron affirma son esthétique de design avec des bijoux expressifs et courbes, jouant dans les cadres géométriques de la période Art déco. Fait rare, contrairement à d'autres femmes de son époque, Belperron consacra ses débuts dans la vingtaine à étendre son cachet créatif et à renforcer le succès international de Boivin, plutôt qu'à avoir des enfants. C'est cette dévotion qui la propulsa vers le succès et l'égala à ses homologues masculins. Notamment, ses créations pour Boivin incluent la combinaison de matériaux précieux et semi-précieux utilisant des pierres telles que la calcédoine, le cristal de roche et le quartz fumé.
En février 1932, Belperron démissionna et devint rapidement affiliée à Herz - un marchand parisien renommé de pierres précieuses. Herz lui accorda une liberté totale dans son atelier. Son travail original et distinctif fut rapidement adopté par les principaux magazines de mode et les mondaines de l'époque. Notamment, ses pièces étaient adorées et collectionnées par Diana Vreeland.
On peut avancer que les historiens de la joaillerie pensent que la raison pour laquelle les créations de Belperron étaient si prisées réside dans leur adoucissement de l'esthétique linéaire de l'Art déco. Pourtant, elle utilisait continuellement les curiosités de l'Art déco et était constamment influencée par les motifs de l'Égypte, des Indes orientales, de l'Extrême-Orient et de l'Afrique.
Ses créations étaient un emblème en elles-mêmes, elle ne signait jamais ses pièces, affirmant que « mon style est ma signature ».