Pour célébrer la Journée internationale des femmes le 8 mars, nous avons décidé d'examiner de plus près la découverte des femmes joaillères de l'histoire. Il n'est pas secret que les réalisations en design et en arts à travers l'histoire ont largement été produites par ou attribuées à des hommes blancs. Généralement, cela s'explique par le fait que les femmes n'avaient pas les mêmes opportunités d'éducation, étant reléguées à la sphère domestique.
Dans le monde de la joaillerie, on entend parler des succès de René Lalique, Louis Comfort Tiffany et Sotirios Bulgari, mais peu des femmes qui ont créé les bijoux ou fondé elles-mêmes les marques de joaillerie. Pourtant, les femmes fabriquaient des bijoux dans l'histoire, et il y avait de nombreuses joaillères établies à une époque où les femmes étaient rarement vues en dehors de la sphère domestique. Les apprenties et artisanes dans les maisons de joaillerie étaient probablement des femmes, ainsi que des hommes, mais leurs réalisations ont été éclipsées.
Dans cet esprit, poursuivez votre lecture pour en savoir plus sur les femmes joaillères, les femmes directrices de joaillerie et les femmes créatrices de bijoux, qui ont eu un impact majeur sur les pièces que nous achetons aujourd'hui.
Phoebe Anna Traquair
Phoebe Anna Traquair (1852-1936) était une artiste née en Irlande, bien connue pour son implication dans le mouvement arts and crafts en Écosse. Traquair fut significativement la première femme élue à la Royal Scottish Academy en 1920.
Traquair était passionnée et influencée par Dante Gabriel Rossetti et William Blake, ce qui a sans doute impacté ses créations de bijoux. Traquair a également créé d'autres formes d'art, réalisant des commandes de textiles domestiques brodés pour des hôpitaux et des cathédrales.
Cupidon, le Soutien de la Terre, Pendentif en or émaillé, Phoebe Anna Traquair, vers 1902, Source - The Victoria and Albert Museum
Le travail de joaillerie de Traquair est incroyablement magnifique. Elle employait largement des techniques d'émail pour créer des reliefs romantiques complexes et très détaillés.
Elsa Peretti
Elsa Peretti (1940-) est une créatrice de bijoux italienne et ancienne mannequin. Elle a largement dessiné pour Tiffany and Co, avec de nombreuses pièces désormais dans les collections du British Museum, ainsi que des musées des Beaux-Arts de Boston et Houston.
Peretti apprit beaucoup de son métier et développa son œil artistique grâce à une carrière préliminaire dans le design d'intérieur et l'architecture. En 1969, après cinq ans de mannequinat, elle commença à créer de nouveaux styles de bijoux pour plusieurs créateurs de mode à New York.
Collier serpent en argent, Elsa Peretti, vers 1973-34, Source - Metropolitan Museum of Art
En 1974, Peretti signa un contrat pour travailler chez Tiffany and Co, et en 1979 elle devint leur principale créatrice. Peretti travaillait exclusivement l'argent, qui au début était perçu comme "commun", mais elle rendit ce métal incroyablement à la mode parmi les mondains new-yorkais des années 1980. Ses pièces en argent étaient considérées comme ludiques, attirant une clientèle plus jeune.
Les créations emblématiques en argent de Peretti utilisent souvent le jade, le laque et le rotin.
Suzanne Belperron
Suzanne Belperron (1900-1983) fut une créatrice de bijoux incroyablement influente au XXe siècle. Basée à Paris, Belperron travailla pour les maisons de joaillerie Boivin et Herz avant le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale. Par la suite, elle prit la direction de la société Herz, la renommant Herz-Belperron !
Boucles d'oreilles en or, Suzanne Belperron, vers 1955-1970, Source - The Victoria and Albert Museum
Le talent de Suzanne pour la fabrication de bijoux s'est affiné dès son plus jeune âge. Née dans la ville de Saint-Claude, en milieu rural français, cette ville était connue pour son artisanat traditionnel de taille de pierres précieuses, et pendant les longs mois d'hiver, tous ses habitants s'impliquaient pour aider l'entreprise. La mère de Suzanne savait que sa fille était talentueuse, elle l'inscrivit donc à l'École des Beaux-Arts de Besançon.
Lorsque Suzanne s'installa à Paris, elle devint apprentie chez Jeanne Boivin pour la maison de joaillerie française Boivin. Ses créations étaient voluptueuses et superlatives, contrastant avec l'esthétique Art déco de l'époque. Contrairement à d'autres femmes à cette époque, Suzanne devint codirectrice de la maison Boivin à seulement 23 ans.
Cependant, en 1932, Belperron démissionna. On pense que cela était dû au fait qu'elle n'était pas créditée pour son travail, ce qui n'était pas courant dans les maisons de joaillerie. Elle commença immédiatement à travailler pour Bernard Herz, un célèbre marchand parisien de pierres précieuses, qui lui donna la liberté de concevoir ses propres créations.
Durant les années 1930, son travail original apporta renommée et reconnaissance à la marque Herz, et Belperron devint rapidement une figure artistique majeure en France. Son travail fut présenté dans des magazines de mode aux côtés de Cartier, Boucheron et Van Cleef & Arpels.
Le travail de Belperron jouait avec des motifs et des designs inspirés par les cultures lointaines d'Égypte, des Indes orientales, de Chine, du Japon, d'Afrique et d'Océanie. Elle fut pionnière dans la technique de sertissage des pierres précieuses dans des matériaux semi-précieux, optant pour de l'or 22 carats plutôt que des or plus purs. Belperron ne signait jamais ses pièces, estimant que l'originalité de la pièce elle-même était sa marque distinctive.
En raison du fait que Bernard Herz était juif et de l'Occupation de Paris, Belperron prit le contrôle total de la marque Herz, mais elle fut à un moment arrêtée et interrogée par la Gestapo au sujet de Bernard Herz et de ses relations. Pourtant, amie farouchement loyale, Belperron aurait avalé les pages de son carnet d'adresses une par une afin qu'ils ne puissent pas retrouver la localisation de sa famille.
Après la mort de Bernard Herz à Auschwitz, Belperron reprit la relation d'affaires avec son fils aîné.
Pour ses commandes de bijoux, Belperron était connue pour avoir besoin de comprendre le mode de vie de sa cliente, étudiant les contours de son visage, le teint de sa peau et la forme de ses mains. Après la mort de son mari, Belperron et Herz convinrent de liquider et dissoudre la société Herz-Belperron dans les années 1970. Pourtant, le prestige de Belperron en tant que créatrice de bijoux et membre de la résistance lui valut de recevoir la Légion d'Honneur.
Jeanne Boivin, Juliette Moutard et Germaine Boivin
Beaucoup reconnaissent la marque de joaillerie Boivin comme étant l'œuvre de René Boivin, cependant, son épouse Jeanne joua un rôle important et influent au sein de l'entreprise. Sœur du couturier parisien très respecté Paul Poiret, Jeanne Boivin avait de nombreuses connexions dans le monde de la mode, ce qui signifiait que la marque Boivin comptait parmi ses clientes de nombreuses personnalités estimées. Cependant, en 1917, René Boivin décéda, laissant Jeanne en tant que propriétaire.
Connue sous le nom de Madame Boivin dans le milieu, Jeanne devint la principale créatrice de la maison. Son style était coloré, symétrique, à grande échelle et texturé, souvent réalisé en or jaune. À l'instar de Belperron, les bijoux de Madame Boivin n'étaient jamais signés, et elle ne disposait pas d'une vitrine, mais d'un salon sur rendez-vous à Paris.
De manière significative, comme le montre la confiance accordée à Belperron, Madame Boivin appréciait d'employer des femmes joaillières dans sa société. Après le départ de Belperron, Madame Boivin employa Juliette Moutard et Germaine Boivin, sa fille. Ces trois femmes, ainsi que Belperron, renforcèrent la maison de joaillerie Boivin. Les créations de bijoux les plus célèbres de Moutard au sein de la société sont la broche étoile de mer composée de cabochons d'Améthyste et de Rubis.
Marina B
Marina B, également connue sous le nom de Marina Bulgari, était une créatrice de bijoux renommée des années 1970 à 1990, créant des bijoux ostentatoires, superlatifs et éclatants pour des clients prestigieux. Marina a quitté la célèbre Maison familiale en 1976 pour lancer sa propre marque de bijoux, et son style audacieux et intemporel a rapidement été remarqué et adoré.
Marina B a créé sa propre taille de pierre précieuse « le châtaigne » et a été pionnière dans les techniques innovantes de montage à ressort, pavé de diamants et fonctionnalités interchangeables.
Vivienne Westwood
L'une des créatrices de mode britanniques les plus célèbres au monde, qui a eu un impact majeur sur la scène punk britannique des années 1970, Vivienne Westwood est peut-être connue pour ses mondes entremêlés d'activisme politique et de vêtements, mais ses créations de bijoux ont été négligées.
En fait, Westwood s'est d'abord lancée dans le design par la joaillerie, suivant un cours de bijouterie et d'orfèvrerie à l'Université de Westminster. Cependant, elle est partie après un trimestre, se sentant exclue par les autres étudiants généralement issus de classes sociales supérieures. Devenue enseignante en école primaire, Westwood a continué à créer ses propres pièces de bijoux, qu'elle vendait sur Portobello Road. C'est ainsi qu'elle rencontra Malcolm Mclaren, musicien, créateur de vêtements et manager du groupe punk les Sex Pistols.
Coco Chanel
Comme Vivienne Westwood, Coco Chanel est une créatrice de mode emblématique connue pour son impact dans le monde du vêtement plutôt que de la joaillerie. Cependant, Coco Chanel a été présentée dans notre blog sur les influenceurs de la joaillerie à travers le temps car elle a profondément changé la perception publique des bijoux fantaisie.
Chanel a dessiné la désormais iconique Croix de Malte Chanel, qui reste un élément phare de la collection de bijoux Chanel depuis.
En 1932, Coco Chanel créa sa première ligne de haute joaillerie bijoux Diamants, qui fut critiquée par certains joailliers de l'époque à cause de ses pièces de bijoux fantaisie. Cependant, cette ligne relança et renforça le commerce du diamant durant les années de la Dépression.
Line Vautrin
Artiste joaillière d'après-guerre, Line Vautrin (1913-1997) créait des bijoux et des objets décoratifs dès son plus jeune âge, ses premières pièces professionnelles datant de ses 21 ans. Son travail se caractérisait par des formes hiéroglyphiques abstraites, une allitération visuelle et son usage intensif de l'or jaune.
Décidément moderniste, Vautrin a connu la célébrité lorsqu'elle a tenu un stand à l'Exposition internationale de Paris en 1937. Son style sculptural lui a valu de nombreux clients, pour lesquels elle a commandé des pièces jusqu'à sa mort en 1997. Son succès lors de cette exposition lui a permis d'ouvrir sa propre boutique rue de Berri à Paris, créant des bijoux de toutes sortes.
L'amour de Vautrin et sa gravitation naturelle vers l'art de la joaillerie et du travail des métaux étaient une vocation inhabituelle pour une jeune femme. Son succès ne pouvait être attribué uniquement à son talent, mais aussi à sa détermination et à sa forte indépendance. En fait, on croyait qu'elle avait commencé son parcours en travaillant pour Schiaparelli, qu'elle quitta seulement quelques jours plus tard car elle ne supportait pas les règles strictes.
Surnommée la « poétesse du métal » en 1948 par Vogue, le travail de Vautrin ne cessa de s'affirmer, déménageant dans un espace plus grand dans le Marais qu'elle transforma en atelier et lieu d'exposition. Dans les années 1960, elle commença à travailler avec de nouveaux matériaux comme l'acétate de cellulose qui apparaissait sur le marché. C’est à cette époque qu’elle commença à créer de magnifiques miroirs évoquant des rayons de soleil.
On savait que Vautrin aimait le processus ardu et chronophage de création de miroirs. Elle s'intéressait à l'art de l'alchimie et à la cosmologie de la vie, la combinaison de deux substances primitives qui, par contact, opposition et lutte, donneraient naissance à quelque chose de beau.
Wendy Ramshaw
Née au début de la Seconde Guerre mondiale à Sunderland, Ramshaw s'intéressait aux arts et métiers dès son plus jeune âge, créant des bibelots à partir de chutes dès l'âge de 6 ans. Cette période de rationnement et de difficultés n'a pas empêché son talent artistique de s'exprimer.
Après la guerre, le sentiment euphorique en Grande-Bretagne conduisit au Festival of Britain en 1951, auquel Ramshaw, alors âgée de 12 ans, assista. Ce spectacle célébrait les réalisations historiques des Britanniques en science, agriculture, littérature, art et industrie. Cette exposition à l'art et au design modernes donna à Ramshaw l'impulsion nécessaire pour poursuivre son art, étudiant l'illustration et le design textile à Newcastle entre 1956 et 1960, puis à l'université de Reading en 1961.
C’est ici que Ramshaw rencontra son futur mari David Watkins, un autre artiste britannique célèbre qui a conçu les médailles des Jeux Olympiques de Londres 2012. Ensemble, le couple a travaillé sur leurs arts et collaborations. Dans les années 1970, le directeur artistique Graham Hughes acheta certaines pièces de Ramshaw pour Goldsmiths Hall, ce qui propulsa sa carrière.
Ramshaw a obtenu la fellowship à la fois de la Chartered Society of Designers et de la Royal Society of Arts, et elle fut l'une des premières femmes admises en tant que Freemans de la Worshipful Company of Goldsmiths. En 1993, elle a reçu un OBE pour ses services rendus aux arts et en 2003, elle a été décorée d'un CBE.
Paloma Picasso
Fille de Pablo Picasso et Françoise Gilot, Paloma est une créatrice et fabricante de bijoux bien connue pour Tiffany and Co. Il n'est pas surprenant que la fille de deux des personnalités artistiques les plus célèbres ait hérité de leur talent. Initialement costumière, Paloma s'est aventurée dans le monde de la joaillerie par accident en 1968 lorsque certaines de ses créations de costumes ornées de strass ont attiré l'attention des critiques. À partir de là, elle a suivi une formation formelle en design de bijoux.
Un an plus tard, en 1969, elle présenta ses premières créations de bijoux à son amie et célèbre couturier Yves Saint Laurent, qui lui commanda immédiatement de concevoir des accessoires pour accompagner l'une de ses collections. En 1980, Picasso commença à dessiner des bijoux pour Tiffany & Co.
Deux musées américains, le Smithsonian Institution National Museum of History et le Field Museum of Natural History, ont acquis ses pièces.
Alma Pihl
Oubliée de l'histoire, Alma Theresia Pihl-Klee (1888-1976) fut l'une des deux femmes designers chez Fabergé. Fille de l'orfèvre Knut Oskar Pihl et petite-fille du chef joaillier Fabergé August Holmstrom, il était inévitable que la joaillerie coule dans ses veines. Alma Pihl a commencé à travailler pour Fabergé en 1909, arrivant dans le métier en tant que designer autodidacte. Sa tâche à l'atelier consistait à documenter les pièces produites en réalisant un dessin grandeur nature de l'objet, en notant les pierres précieuses et matériaux utilisés, ainsi que le coût.
Bien que ce travail fût chronophage, Pihl a tout de même réussi à concevoir des croquis qui ont finalement attiré l'attention de son oncle, également employé dans l'entreprise, qui a demandé à l'atelier de réaliser ses créations aux côtés des siennes. C'est ainsi qu'elle est devenue la première femme designer chez Fabergé.
Son « grand tournant » est survenu lorsque le Dr Emanuel Nobel a commandé 40 broches comme cadeaux pour ses clients, avec la condition que ces pièces soient « insignifiantes » en matériaux afin de ne pas être perçues comme des pots-de-vin. Pihl s'est inspirée des flocons de neige givrés sur la fenêtre, créés dans des montures en alliage platine-argent et diamants taille rose. Ces broches ont rencontré un immense succès auprès du client qui a ensuite commandé de nombreux autres bijoux avec le même motif.
Pihl a conçu le célèbre Œuf de Pâques d'Hiver en 1913, et l'Œuf de Pâques Mosaïque en 1914, ce dernier appartenant désormais à la collection royale de la reine Elizabeth I. L'Œuf de Pâques d'Hiver a été commandé pour commémorer le 300e anniversaire de la dynastie Romanov, et est considéré comme le plus précieux de tous les œufs de Pâques. Cet œuf présentait un extérieur à thème glacé, qui s'ouvrait pour révéler un panier de fleurs en platine, avec des anémones réalisées en quartz blanc, grenats démantoïdes et feuilles de néphrite.
L'Œuf de Pâques Mosaïque a été initialement réalisé pour le Tsar Nicolas II de Russie, avec le motif de tapisserie florale entourant l'œuf conçu par Pihl, qui s'est inspirée des écrans pare-feu en broderie trouvés dans les salons aristocratiques de l'époque.
L'Œuf Mosaïque Fabergé, Source - The Royal Collection Trust
Elizabeth Gage
Créatrice de bijoux primée, Elizabeth Gage crée des bijoux très collectionnables depuis plus de 50 ans. Ses designs uniques captivent continuellement l'attention des magazines de mode et des célébrités, et certaines de ses pièces font partie de la collection permanente du Victoria and Albert Museum à Londres.
Portrait d'Elizabeth Gage, Source - Wikimedia Commons
Selon la page web de la créatrice, l'amour de Gage pour le design est né dès son plus jeune âge, où elle s'amusait à fabriquer des maisons, des vêtements et d'autres objets pour ses poupées. Une dextérité manuelle et un œil qui se révélèrent utiles plus tard. Elle s'est formée pendant 6 ans en tant qu'orfèvre, avec sa première grande commande pour Cartier en 1968. Elle a remporté de nombreux prix au cours de sa vie, notamment le Queen’s Award for Export, le titre de Designer britannique de bijoux de l'année et le De Beers Diamond Award pour sa bague Agincourt.
Gage travaille exclusivement l'or 18 carats et 22 carats, avec une approche de design qui s'inspire uniquement des matériaux et des pierres précieuses qu'elle observe, donnant lieu à une multitude d'œuvres sartoriales idiosyncratiques. Sa philosophie concernant les bijoux est que toutes ses pièces peuvent être portées du jour à la nuit.
Épingle en tourmaline, aigue-marine, rubis, perle, or et émail, Elizabeth Gage, vers 1972-1973, Source - The Victoria and Albert Museum
Elizabeth Treskow
Née en 1898, Elizabeth Treskow fréquenta à 16 ans l'école d'orfèvrerie de Hagen deux fois par semaine. Par la suite, elle s'inscrivit à l'Académie des Arts et Métiers d'Essen en 1915, devenant apprentie orfèvre sous la direction du célèbre professeur Karl Rothmuller.
Se consacrant à l'expérimentation de la redécouverte de l'art de la granulation, elle accumula rapidement une variété de récompenses, dont le premier prix de la Société allemande d'art orfèvre en 1933, 1935 et 1936, et remporta la médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris en 1937. En 1938, elle devint la première femme à recevoir l'Anneau d'or honorifique de la Société allemande d'art orfèvre.
Elizabeth Treskow n'hésitait pas à s'imposer dans des univers dominés par les hommes, concevant et créant le trophée de football du Championnat de Bundesliga d'Allemagne.
Après la Seconde Guerre mondiale, Treskow fut nommée chef de la classe d'Orfèvrerie à l'Académie des Arts et Métiers de Cologne. Malgré sa foi protestante, elle reçut la lourde tâche de restaurer le sanctuaire des Trois Rois dans la cathédrale de Cologne.
Les commandes de bijoux de Treskow étaient basées sur la personnalité et le style du client. Elle refusait toute commande anonyme et s'intéressait particulièrement aux cheveux et au teint du client, à la forme du visage et aux mains. Son travail a naturellement évolué au cours de sa vie, ses premières pièces montrant clairement des formes angulaires et géométriques, tandis qu'à la fin ses créations étaient des compositions opulentes, célébrant la décoration et mettant clairement l'accent sur les matériaux utilisés.
Après avoir pris sa retraite de l'enseignement, elle a reçu la Croix d'honneur allemande et le Prix d'État des métiers de Rhénanie-du-Nord-Westphalie.
Charlotte Newman
Femme joaillière du XIXe siècle, Charlotte Newman a construit sa carrière dans un monde ouvertement masculin. Non seulement elle créait ses propres bijoux élégants et à la mode, mais elle dirigeait aussi sa propre boutique sur Savile Row.
Les bijoux de Charlotte Newman sont aujourd'hui reconnaissables à son poinçon « Mrs N ». Bien que moderne et subversive en créant et vendant ses propres bijoux, elle répondait apparemment encore à son mari, comme c'était la norme à l'époque. Selon les standards actuels, cela serait perçu comme anti-féministe, cependant, signer ses poinçons « Mrs » est un marqueur clé indiquant qu'une femme réalisait ces pièces, tout en honorant la convention - une décision astucieuse.
Les créations de bijoux de Newman étaient typiquement victoriennes dans leur style, s'inspirant du passé en incorporant des styles byzantins anciens et des techniques de renaissance à des formes Art Nouveau.
On ne connaît pas la jeunesse de Newman, mais sa formation de joaillière a commencé lorsqu'elle a travaillé sous la direction du joaillier John Brogden. Avant cela, elle a fréquenté la Government Art School à South Kensington. Après la mort de Brogden en 1884, elle a fondé sa propre entreprise de joaillerie, conservant de nombreux artisans et clients. À l'époque, il était inhabituel non seulement qu'une femme dirige sa propre entreprise, mais aussi qu'elle gère un groupe d'hommes.
Newman était avant tout une joaillière, mais elle était aussi une artiste. Elle reproduisait rarement des modèles, créant quelque chose de nouveau et d'excitant pour chaque cliente.
Margaret de Patta
Margaret de Patta était une joaillière des années 1920, créant des bijoux d'art de studio ; un style qui privilégiait l'expression créative et utilisait souvent des matériaux de faible valeur économique. Une grande partie des bijoux d'art de studio a été créée dans les années 1940 et 1950, mais ses valeurs et techniques remontent au mouvement Arts and Crafts du XIXe siècle.
Les bijoux de De Patta étaient remarquablement contemporains, créés dans un style frais qui ne déparerait pas aujourd'hui. Ses pièces incorporaient souvent des éléments cinétiques, des distorsions optiques et des matériaux organiques du quotidien.
Alors qu'elle apprenait et perfectionnait son art de la joaillerie, elle était profondément immergée dans le mouvement moderniste, découvrant le Bauhaus et le constructivisme - qui ont influencé ses créations de bijoux.
Ses pièces emblématiques n'ont pas été largement reconnues, mais ses créations modernistes étaient portées par une poignée de collectionneurs d'art de l'époque, qui reconnaissaient la fraîcheur et la grande valeur de ces œuvres.
De Patta a travaillé avec Lazlo Mohogly Nager, le leader juif du mouvement constructiviste, qui intégrait largement le mouvement et la lumière dans ses travaux photographiques et cinématographiques. Cela a inspiré Margaret à orienter sa joaillerie dans une nouvelle direction.
Broche Margaret de Patta, vers 1934, Source - Wikimedia Commons
En termes de matériaux, De Patta ne s'intéressait tout simplement pas aux gemmes facettées, à l'éclat et au scintillement souvent associés et visibles en joaillerie. Cependant, elle incorporait largement le quartz dans ses créations, fascinée par la manière dont il peut jouer avec la lumière et la refléter.
Ses pièces biomorphiques et à la structure raffinée s'inscrivent aux côtés des autres artistes de l'époque tels que Picasso, Ernst et Braque. De Patta laissait les matériaux s'exprimer d'eux-mêmes, plutôt que de les contraindre à des formes et styles dépassant leur nature.
Margret Craver
Margret Craver fut également une force motrice dans l'industrie américaine de la joaillerie de studio. À l'instar de De Patta, Craver s'inspirait du mouvement Arts and Crafts qui mettait l'accent sur le fait que l'on est avant tout un artiste, puis que ses compétences en design et sa réceptivité au monde de l'art constituent le cœur de son identité artistique, plutôt que d'exécuter des bijoux en tant que commandes pour autrui.
Craver a étudié dans les années 1930 à la Cranbrook Academy of Art et auprès de Baron Erik Fleming, l'orfèvre du roi de Suède.
Broche Margret Craver, Source - Museum of Fine Arts Boston
Fait intéressant, pendant et entre les guerres, les anciens combattants étaient encouragés à pratiquer la joaillerie comme forme de rééducation physique, améliorant leur coordination main-œil et renforçant leurs bras et mains. Craver, qui travaillait chez le fabricant de bijoux Handy & Harman, a convaincu son employeur de lui permettre d'animer des ateliers pour les anciens combattants.
Broche Margret Craver, vers 1969, Source - The Smithsonian American Art Museum
Grâce à l'enseignement de Craver, de nombreux joailliers postmodernes à succès ont vu le jour. Craver était reconnue pour sa détermination infatigable à aider ses étudiants, ce qui lui a permis d'avoir un impact majeur sur le mouvement de la joaillerie de studio américaine.
Jeanne Toussaint
Directrice du département de joaillerie de luxe de Cartier en 1933, Jeanne Toussaint a profondément transformé le design de la joaillerie. Sous sa direction, Cartier s'est éloigné des motifs abstraits du style Art déco pour adopter un travail figuratif orné de pierres précieuses, devenu caractéristique de la maison.
Toussaint est responsable des pièces les plus célèbres de Cartier. Parmi elles, l'oiseau en cage créé en 1940, symbole contre l'occupation nazie de Paris, et une autre pièce quatre ans plus tard, le jour de la libération de Paris, une cage avec la porte ouverte et un oiseau en plein vol.
Toussaint a conçu des flamants roses, des panthères et des perroquets exotiques pendant qu'elle dirigeait la maison. La panthère est rapidement devenue l'emblème et l'ornement le plus reconnu de la marque. L'image élégante et puissante de la panthère attirait d'autres femmes, dont la duchesse de Windsor, la duchesse d'Agha Khan et Barbara Hutton.
Elsa Schiaparelli
L'une des créatrices les plus célèbres de l'histoire, Elsa Schiaparelli a non seulement navigué entre les mondes de la mode et de l'art, mais elle les a réunis comme aucun autre créateur à son époque. Fascinée par le surréalisme, les créations de bijoux de Schiaparelli étaient aussi exceptionnelles et extravagantes que ses créations de mode.
Les créations de bijoux de Schiaparelli proviennent probablement de ses fermetures subversives. Des boutons en forme de cadenas, d'escargots, de grains de café, de sucettes, de fruits, de légumes et de cuillères ornaient ses robes, vestes et manteaux. Sans oublier que beaucoup de ses pièces de couture étaient richement ornées de bijoux, à l'image des pièces créées aujourd'hui.
Marianne Ostier
Ostier, inc, une maison de joaillerie new-yorkaise, ayant remporté de nombreux prix au fil du temps, était dirigée par le couple Oliver Ostier et Marianne Ostier. La principale créatrice, Marianne, était auparavant peintre et sculptrice à Vienne, mais après l'annexion nazie de l'Autriche en 1938, elle a émigré avec son mari aux États-Unis.
Le travail antérieur de Marianne Ostier était classiquement déco, créant des pièces géométriques fluides utilisant des diamants et du platine, dont beaucoup ont touché la corde sensible des mondaines et de l'élite new-yorkaise. Ses créations ont évolué de manière spectaculaire, s'éloignant du mouvement Art déco pour devenir plus fluides, incluant largement l'or.
En 1966, les bijoux d'Ostier ont été inclus dans une exposition qui comprenait des pièces de Salvador Dali et Georges Braque.
Le poinçon d'Ostier est « MO » ou « M.OSTIER », et elle a écrit un livre sur la joaillerie en 1958 intitulé « Jewels and the woman: the romance, magic and art of feminine adornment ».
Ostier inc a fermé à la fin des années 1960 après la mort d'Oliver Ostier, et Marianne est décédée elle-même en 1976, laissant derrière elle un héritage relativement méconnu.
Merci d'avoir lu cet exposé dense mais très informatif sur les femmes joaillères, à la fois connues et oubliées dans les méandres de l'histoire.
Il est incroyablement inspirant d'entendre comment des femmes ont tracé leur chemin dans un monde masculin, suivant leur passion et leur talent pour la joaillerie.
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Avec amour,
Lillicoco xo