Comme vous avez pu le voir dans nos guides Lillicoco University, nous couvrons une large histoire de la joaillerie ancienne, incluant Georgian, Victorian, Art Nouveau, Edwardian et Art Deco. Mais à part Edwardian et Art Deco, quels autres mouvements et styles de joaillerie y a-t-il eu au XXe siècle ?
Au cours des 80 dernières années, la communauté artistique et joaillière a évolué vers de nouveaux sommets stratosphériques, avec de nouvelles technologies, matériaux et écoles d'art devenant de plus en plus accessibles à tous les milieux. Sans oublier qu'une série de mouvements sociaux et politiques ont influencé la créativité et l'inspiration, notamment les conséquences des première et seconde guerres mondiales, les mouvements féministes de deuxième et troisième vagues, et le mouvement des droits civiques. Ces affiches vintage de Vogue en temps de guerre ci-dessous illustrent à quel point la vie domestique des femmes et des hommes a été impactée.
Ce n'est pas seulement à travers des commentateurs de la culture de consommation comme Vogue que l'on peut voir l'étendue du changement culturel. On peut aussi entrevoir cela en regardant la diversité des mouvements artistiques, qui ont influencé la peinture, la sculpture, la mode, la littérature et bien sûr, le design de bijoux.
- Expressionnisme
- Fauvisme
- Cubisme
- Dadaïsme
- Surréalisme
- Expressionnisme abstrait
- Pop Art
- Postmodernisme
Au sein de chaque mouvement, les artistes exploraient et expérimentaient les sujets à travers leur propre regard personnel et leurs expériences vécues, aboutissant à certaines des œuvres d'art et artistes les plus grands et les plus vénérés que nous connaissons aujourd'hui... Salvador Dali, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Frida Kahlo, Jackson Pollock, Georgia O-Keeffe, Francis Bacon et Andy Warhol pour n'en nommer que quelques-uns !
Dans cet esprit, contrairement aux époques précédentes, les codes et modes de la joaillerie n'étaient pas aussi rigides. Deux types de bijoux émergeaient sur la scène : le type expérimental, sculptural et purement artistique, mais aussi le type de culture de consommation produite en masse.
Le premier abordait et remettait en question la question « qu'est-ce que l'art » tout en s'engageant avec les mouvements artistiques mentionnés ci-dessus, tandis que le second concernait des bijoux produits en matériaux bon marché et fabriqués en masse, afin que des personnes de tous horizons puissent porter des pièces scintillantes.
Ainsi, pour le collectionneur passionné de bijoux vintage, nous avons décidé de compiler ensemble trois mouvements clés de la joaillerie du XXe siècle que nous pensons que vous devez connaître ! Joaillerie d'art et moderniste, joaillerie surréaliste et joaillerie du milieu du siècle.
Et la semaine prochaine, nous explorerons les tendances de la joaillerie des années 1970, 80 et 90, alors restez à l'écoute !
Bijouterie d'art et bijouterie moderniste
La bijouterie d'art est issue du mouvement Arts and Crafts (1880-1920), un mouvement qui s'est rebellé contre la révolution industrielle victorienne en utilisant des motifs inspirés de la nature. Aujourd'hui, la bijouterie d'art est un terme utilisé pour décrire les bijoux fabriqués par de petits ateliers indépendants et artisans plutôt que par de grandes marques.
La bijouterie d'art met l'accent sur l'expression créative et la liberté artistique et se caractérise stylistiquement par une variété de matériaux, en particulier ceux de moindre valeur économique. Ceux-ci sont spécifiquement utilisés pour contrer les bijoux fabriqués à partir de matériaux précieux, nous faisant interroger - quelle est la valeur intrinsèque des bijoux ?
La bijouterie d'art est liée à la bijouterie de studio, un mouvement qui balayait l'Angleterre et l'Amérique au XXe siècle. Comme la bijouterie d'art, la bijouterie de studio est réalisée par des artistes indépendants qui manipulent directement les matériaux choisis pour créer des bijoux uniques ou en production limitée. Le bijoutier est à la fois le designer et le fabricant, et le travail est réalisé dans un petit atelier privé plutôt que dans une grande usine.
Broche d'amoureux en argent de Sam Kramer, vers 1949, Source - Museum of Fine Arts Boston
La bijouterie d'art était en grande partie un mouvement critique, critiquant les normes de préciosité entourant l'industrie de la bijouterie et la relation entre les bijoux et le corps. On percevait alors, et on perçoit encore, que la valeur d'un bijou réside dans ses matériaux. Dans les années 1960, les bijoutiers d'art ont largement incorporé des matériaux facilement disponibles et nouveaux comme les acryliques et l'aluminium dans leurs créations, remettant en cause le rôle historique de la bijouterie comme symbole de statut et signe de richesse.
Bracelet manchette en argent de Sam Kramer avec œil de taxidermie en verre, vers 1950, Source - Museum of Fine Arts Boston
La bijouterie d'art remettait également en question le concept de QUI porterait les bijoux. Jusqu'à ce moment, les bijoux étaient largement portés exclusivement par des femmes plutôt que par des hommes, et jouaient un rôle clé dans l'habillement des femmes de la haute société. L'utilisation de matériaux moins coûteux et de formes abstraites créait une pièce délibérément ambiguë, à la fois abordable et unisexe.
Collier pendentif en argent et turquoise de Margaret de Patta, vers 1930, Source - Oakland Museum of California
L'une des raisons pour lesquelles la bijouterie d'art était si populaire parmi les bijoutiers est qu'elle séduisait les amateurs et ceux qui débutaient dans leur carrière. Pour créer de la bijouterie d'art, il suffisait d'investir dans quelques matériaux et outils et de disposer d'un petit espace de travail, ce qui la rendait attrayante pour des personnes de tous horizons économiques.
Bien qu'originaire du mouvement britannique Arts and Crafts, il existait une distinction clé qui séparait la joaillerie d'art de ses prédécesseurs. Dans notre blog sur le mouvement Arts and Crafts de Liberty & Co, nous expliquons que le mouvement Arts and Crafts tournait autour de l'union de l'art et du travail, mettant l'accent sur la fabrication manuelle plutôt que l'utilisation de machines. On croyait que l'aspect satisfaisant du travail créerait en fin de compte à la fois une meilleure pièce et une meilleure personne dans l'ensemble.
D'autre part, la joaillerie d'art, surtout en Amérique, se concentrait sur l'union de l'art et des loisirs. On croyait que l'acte de création était une activité relaxante et récréative, un antidote aux épreuves et tribulations de la vie.
La joaillerie d'art a évolué vers la joaillerie moderniste, qui a vu le jour dans les années 1940, pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Cette période fut marquée par beaucoup de peur et d'incertitude, des atrocités de la guerre, au traumatisme de l'Holocauste, la peur de la bombe, la politique des préjugés basés sur la race et la classe, ainsi que les effets profonds de l'industrialisation et du commercialisme. Comme la joaillerie d'art, la joaillerie moderniste fut créée pour célébrer la main de l'artiste plutôt que la valeur marchande du matériau. La joaillerie moderniste était très populaire car elle représentait un concept attrayant au milieu de toute cette incertitude. De plus, ces pièces étaient plus abordables et constituaient un marqueur d'identité personnelle.
Parmi les joailliers modernistes célèbres figuraient Margaret de Patta, Ed Weiner, Alexander Calder, Jacques Lipchitz et Richard Pousette-Dart. Chaque artiste avait sa propre interprétation du mouvement de la joaillerie moderniste, incorporant des styles issus de mouvements artistiques chevauchants tels que le cubisme, le primitivisme, le biomorphisme, le futurisme et le dadaïsme.
Durant et après les années 1960, le mouvement de la joaillerie moderniste a pris de l'ampleur. Cela était en grande partie dû à la promotion de la fabrication de bijoux comme thérapie physique pour les vétérans de la Seconde Guerre mondiale, car elle renforçait les muscles des bras, améliorait la coordination physique et aidait à la concentration mentale. Cela a continué à fournir un stimulus et un financement pour les arts par les gouvernements, permettant sa continuité nationale.
Bijoux surréalistes
Le surréalisme fut l'un des mouvements artistiques les plus bizarres du XXe siècle. Un festin visuel pour les sens, le surréalisme est apparu après la Première Guerre mondiale et a été largement influencé par le dadaïsme, un autre mouvement artistique avant-gardiste. Délibérément provocante, l'art surréaliste cherchait à fusionner des images inhabituelles avec des scènes illogiques et le quotidien. Selon le manifeste surréaliste d'André Breton, les caractéristiques clés du surréalisme étaient le pouvoir libérateur du hasard et de l'inconscient dans le processus créatif. Le surréalisme s'est parfaitement mêlé au tumulte des années 1920 tout en contrastant avec les normes sociétales rigides, anciennes et inhérentes. Dans cet esprit, le surréalisme fut l'un des mouvements artistiques les plus révolutionnaires de l'histoire.
L'un des artistes les plus associés et connus de cette période est Salvador Dali. Non seulement Salvador Dali créait des œuvres d'art époustouflantes, mais il réalisait aussi des bijoux surréalistes. Dali a complètement révolutionné le bijou, remettant en question sa relation avec le corps. La première collection de Dali a été conçue en collaboration avec le duc Fulco di Verdura, qui avait auparavant travaillé avec Coco Chanel. De cette première collection, beaucoup d'autres ont vu le jour.
Chaque pièce était unique, mécanique et fabriquée à partir d'une myriade de joyaux scintillants et de pierres précieuses. Par exemple, l'une des pièces était une broche incrustée de rubis en forme de cœur humain, et d'un léger mouvement, la pièce battait comme un vrai cœur. Une autre était une étoile de mer entièrement articulée qui s'affaissait lorsqu'on la prenait, mais s'accrochait au bras du porteur. En résumé, le style de bijoux de Dali était explosivement anthropomorphique ; vous pouviez épingler des yeux et des bouches sertis de pierres précieuses sur vos robes, foulards et vestes.
Cependant, l'inclusion de Dali dans le mouvement surréaliste n'a pas duré éternellement. En fait, il avait été annexé par les surréalistes dans les années 1930 et 1940, bien que son style soit encore inclus par les révisionnistes. Dali se considérait plutôt comme un artiste pluridisciplinaire, à l'image de ceux de la Renaissance italienne.
Fait intéressant, les bijoux de Dali n'ont pas été bien accueillis par les critiques. Ses pièces étaient vilipendées comme une descente dans le commercial, plutôt que la poursuite du véritable art. Pourtant, cela n'a jamais découragé les pratiques de Dali. En fait, il écrivait : « pour l'histoire, ils prouveront être des objets de pure beauté, sans utilité mais exécutés merveilleusement, appréciés à une époque où l'accent principal semblait être à la fois utilitaire et matériel ».
Dali a réalisé environ 40 pièces entre 1941 et 1970, et celles-ci sont aujourd'hui très recherchées par les collectionneurs et conservateurs. Bien que la plupart soient conservées au musée Salvador Dali. En mai 2014, Sotheby's a vendu l'une de ses pièces les plus célèbres, la broche « Eye of the Time », pour la somme impressionnante de 1 055 000 $.
Ce n'était pas seulement Salvador Dali qui créait des bijoux surréalistes, d'autres artistes modernistes tels que Meret Oppenheim, Max Ernst et Man Ray ont également exploré le travail du métal. L'idée du « hasard » s'est traduite par des dessins fluides et libres, semblables à des gribouillis, pouvant être portés en colliers, broches, ceintures et boucles d'oreilles. Les bijoux surréalistes intégraient aussi des matériaux trouvés non orthodoxes, ce qui transformait l'ensemble de la pièce. L'une des pièces les plus célèbres était les bracelets en fourrure de Meret Oppenheim qui ont inspiré son assemblage artistique « fur breakfast » (1936).
Meret Oppenheim a collaboré avec Elsa Schiaparelli, l'une de nos influenceuses en matière de bijoux à travers le temps. Les créations de Schiaparelli ont rapidement fait d'elle le visage de la modernité, et elle a connu un succès particulier après la Première Guerre mondiale. Cependant, après la Seconde Guerre mondiale, Schiaparelli a eu du mal à suivre la mode parisienne, notamment face à la domination du « New Look » de Christian Dior. À son époque, Schiaparelli a réalisé peu de bijoux fantaisie mais remarquables, ainsi que des fermetures inhabituelles dans ses robes. Sa pièce de joaillerie la plus célèbre était un collier clair en Rhodoïd de 1938, orné d'insectes métalliques, donnant l'impression que des insectes rampaient sur la peau du porteur. Schiaparelli a fermé son entreprise en 1954, mais en 2007 elle a été rachetée par l'homme d'affaires italien Diego Della Valle, et a été officiellement relancée en 2013 avec la nomination de Marco Zanini comme designer principal.
Plus récemment, lors de la Semaine de la Haute Couture de Paris 2020, les bijoux étaient au centre de la collection Schiaparelli. Des dents en or et colliers ras-du-cou en perles, conçus pour imiter le col à volants édouardien, aux boucles d'oreilles émaillées en forme d'œil, en passant par les boucles d'oreilles chandelier en strass extravagantes, les lunettes sculpturales en or et les gants ornés de bijoux anciens squelettiques, Schiaparelli a démontré qu'elle n'avait pas oublié ses racines surréalistes originales.
Peut-être est-ce la preuve que les bijoux surréalistes font leur retour ? Une marque des temps étranges et incertains...
Bijoux du milieu du siècle
Les bijoux du milieu du siècle ont émergé dans les années 1950 et constituaient plutôt un style défini qu'un « mouvement » à proprement parler, mais ils ont fortement influencé le design et le commerce de la mode de la moitié à la fin du XXe siècle.
Bien que le « New Look » de Christian Dior ait malheureusement entraîné la disparition de la marque Schiaparelli au XXe siècle, il a propulsé un nouveau style de bijoux. Le « New Look » de Christian Dior a été présenté en 1947, seulement deux ans après la Seconde Guerre mondiale.
Le « New Look » était considéré comme un signe optimiste des temps changeants, ce qui explique probablement son succès et son rôle essentiel dans l'histoire de la mode. Ce style contrastait avec les rations strictes et austères ainsi que les codes vestimentaires de la Seconde Guerre mondiale, et avec les lignes fluides libératrices de la mode des années 1920 et 1930. Ses pièces étaient jugées radicales dans leur féminité, incluant des vestes cintrées, des hanches rembourrées et des jupes en ligne A. Plutôt que de créer des vêtements pratiques pour la femme de tous les jours, il cherchait à vendre le rêve des « bons vieux jours » d'avant-guerre où les femmes pouvaient paraître et se sentir glamour. Bien que ces créations aient été abhorrées par les féministes de la nouvelle vague, elles restaient incroyablement populaires parmi toutes les classes. De plus, les longueurs de tissu plus importantes étaient un signe de la fin des restrictions gouvernementales et d'une indulgence sans retenue.
Ce style élégant et d'un autre temps s'est inévitablement infiltré dans la joaillerie des années 1940, 50 et 60. Ce style de joaillerie est appelé « milieu du siècle » d'après un livre de 1984 intitulé « Mid-century Modern : furniture of the 1950s ». Ce livre montrait que le design phare de l'époque était élégant, épuré et simple, convenant à tous les goûts et à tous les budgets. Avec ces deux influences majeures, la joaillerie du milieu du siècle a pris deux voies distinctes. De nombreuses maisons de joaillerie établies comme Harry Winston, Cartier, Boucheron, Van Cleef & Arpels et Tiffany's ont créé des bijoux qui faisaient écho aux designs traditionnels, mettant l'accent sur les matériaux et les pierres précieuses. Bien loin de la joaillerie Arts and Crafts et moderniste.
D'un autre côté, il y avait aussi une joaillerie résolument moderniste aux lignes épurées et aux formes géométriques. La bijouterie fantaisie était également très populaire, dominée par de grosses perles facettées ou polies, des matériaux moins chers, des faux perles et de nouveaux matériaux comme la Bakélite, le Diamante et la Lucite. L'une des pierres précieuses les plus emblématiques et recherchées était la pierre Aurora Borealis de Swarovski, irisée et scintillante.
Les bagues du milieu du siècle étaient grandes et audacieuses, ce qui a créé la tendance de la bague « cocktail », signe de sorties, de plaisir, de danse et de loisirs avec des bijoux assortis.
Pour un usage quotidien décontracté, les grosses broches en or et les chaînes en or tressées ou torsadées étaient préférées. Ce look voluptueux et bulbeux contrastait avec les lignes architecturales nettes de l'Art déco. En revanche, pour le soir, le « look diamant » était très à la mode. C'était à la même époque que la campagne publicitaire de De Beers en 1948 « Diamonds are Forever », qui rendait la joaillerie en diamant accessible à tous les budgets.
Les créations joaillières étaient fantaisistes et résolument féminines, mettant en scène des fleurs, des animaux et des éclats stellaires célestes. La joaillerie Ballerina emblématique de Van Cleef and Arpels est un exemple parfait de ce style élégant mais pittoresque. L'explosion culturelle du cinéma hollywoodien a fait que beaucoup souhaitaient porter et imiter les styles des actrices hollywoodiennes telles qu'Audrey Hepburn, Grace Kelly, Marilyn Monroe et Doris Day ; ces styles étaient sexy, glamour, sophistiqués et élégants.
C'est également à cette époque que des femmes joaillières comme Jeanne Boivin, Suzanne Belperron, Coco Chanel et Jeanne Toussaint sont devenues très respectées dans leur domaine. Leurs créations de haute joaillerie incarnaient l'esthétique glamour de la joaillerie du milieu du siècle.
Dans l'ensemble, ces mouvements joailliers du XXe siècle ont été des catalyseurs pour les phénomènes de mode et culturels des années 1970, 1980 et 1990. La joaillerie devenait rapidement une marque stylistique d'identité, tout en devenant une profession accessible à tous. Restez à l'écoute pour l'article de blog de la semaine prochaine où nous approfondirons ce sujet !
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