Lorsque la température monte pendant les mois d'été, notre esprit commence à rêver des climats arides de la Méditerranée et au-delà. Des collines d'oliviers de Toscane aux eaux turquoise étincelantes de la Grèce et aux sables dorés de l'Égypte ancienne, ces pays fascinants stimulent notre imagination avec leurs passés mystérieux cachés, leur mode de vie détendu, leur cuisine délicieuse et leur nature magnifique.
Et nous ne sommes pas seuls, ces cultures ont fasciné nos ancêtres, les inspirant à créer de magnifiques bijoux en hommage à ces pays et à leurs sociétés anciennes.
Paire de boucles d'oreilles hellénistiques en or, IIIe-IIe siècle av. J.-C., Source - The Metropolitan Museum of Art
Bien que nous ne puissions pas voyager librement pour le moment, nous pouvons certainement utiliser notre amour des bijoux pour éveiller l'esprit et l'excitation de l'aventure !
La « renaissance archéologique » était une tendance majeure à la fois durant les époques géorgienne et victorienne. Terme générique pour une myriade de périodes et styles différents, les bijoux de renaissance archéologique sont essentiellement des bijoux recréés dans le style des bijoux anciens, modelés sur des pièces découvertes lors de fouilles archéologiques.
Beaux et d'une élégance quintessentielle, nous examinons de plus près les différents styles et techniques qui caractérisent les bijoux de renaissance archéologique.
Qu'est-ce que les bijoux de renaissance archéologique ? Et pourquoi étaient-ils si populaires ?
Bien qu'il existe de nombreux styles différents de bijoux de renaissance archéologique, ils peuvent généralement être divisés en renaissance étrusque, renaissance hellénistique (ou néoclassique) et renaissance égyptienne.
Bijoux de Renaissance Étrusque
Les bijoux de renaissance étrusque sont des bijoux modelés d'après l'empire romain antique, spécifiquement la civilisation étrusque de l'Italie antique en Toscane, dans l'ouest de l'Ombrie et le nord du Latium (700-300 av. J.-C.).
La civilisation étrusque a été largement influencée à la fois par les Grecs anciens et les Romains antiques, les Grecs étendant leurs territoires dans les régions du sud de l'Italie. Les preuves archéologiques montrent qu'ils étaient très conscients de la mythologie grecque, avec de nombreuses figurines présentes dans leurs œuvres d'art.
Ensemble de bijoux étrusques, début 5e siècle av. J.-C., Source - The Metropolitan Museum of Art
L'intérêt pour les bijoux de renaissance étrusque a commencé pendant la période géorgienne du 18e siècle lorsque les ruines de Pompéi (1748) et d'Herculanum (1738) ont été découvertes. Pourtant, les véritables pièces de renaissance étrusque n'ont été créées qu'un siècle plus tard, lorsque les techniques de fabrication de bijoux étaient devenues sophistiquées. Beaucoup de pièces de renaissance étrusque datent des années 1860 à 1880, mais l'architecture et les découvertes antiques ont stimulé l'imagination des bijoutiers du monde entier.
Pendentif Renaissance Étrusque en Or, Émail et Diamant, Eugene Fontenay, milieu-fin 19e siècle, Source - The Metropolitan Museum of Art
On pense que le style de renaissance étrusque est apparu avec le bijoutier italien Alessandro Castellani. Castellani était un joaillier italien estimé et prestigieux à qui le Vatican avait donné une permission spéciale pour voir ces ornements anciens de première main et apprendre leur savoir-faire.
Plus précisément, le Vatican lui a accordé la permission en 1836 de voir la tombe Regolini-Galassi non ouverte. À partir de cela, il a créé sa propre collection éblouissante de bijoux italiens en utilisant une myriade de techniques de renaissance archéologique illustrées ci-dessous. On croyait que le Vatican avait choisi Castelliani non seulement pour ses talents, mais parce qu'ils voulaient créer un sentiment de fierté nationale et des bijoux synonymes de l'artisanat italien.
Collier revival archéologique, Castellani, vers 1880, Source - The Metropolitan Museum of Art
Les caractéristiques stylistiques des pièces revival étrusques incluent le cannetille, les éléments en coquillage, la micro-mosaïque, les pierres précieuses montées, le travail d'or orné, les échafaudages en filigrane d'or et le motif clé grec.
Bracelet victorien en or 15 carats avec perles fendues et émail motif grec, vers 1850, Source - Skinner Inc Auctions
Joaillerie hellénistique
La joaillerie hellénistique chevauche largement la joaillerie étrusque car elles ont été créées en grande partie durant les mêmes périodes. La période hellénistique couvre l'histoire méditerranéenne entre la mort d'Alexandre le Grand en 323 av. J.-C. et l'émergence de l'Empire romain en 31 av. J.-C.
Le terme hellénistique peut décrire une grande partie du style grec antique qui a émergé sous forme de sculpture classique, colonnes, temples, culte de multiples divinités et plus encore. L'art hellénistique créé à cette époque marque un changement des figures composées et idéalisées de l'antiquité classique vers une approche plus réaliste et émotionnelle de l'art. De plus, la présence du nu féminin est devenue plus apparente dans les œuvres.
Boucles d'oreilles grecques en or en forme de disque avec pendentif Érotes, IIIe - IIe siècle av. J.-C., Source - The Metropolitan Museum of Art
La joaillerie revival hellénistique peut également être considérée comme de la joaillerie néoclassique, marquée par un retour à la composition idéale, symétrique et harmonieuse des pièces, coïncidant avec la période des Lumières (1715-1789) en Grande-Bretagne et l'accent mis sur la raison. Les pièces revival hellénistiques apparaissent tant à l'époque géorgienne que victorienne, la période géorgienne coïncidant avec les Lumières.
Pendentif camée en sardonyx illustrant Nessus enlevant Déjanire, Guiseppe Girometti, vers 1815-1825, Source - The Metropolitan Museum of Art
Les caractéristiques stylistiques du revival hellénistique sont des figures de la mythologie grecque, des nus romantiques de femmes légèrement voilées de mousseline, des agates striées, des bracelets spirales et des détails en or tressé.
Paire de bracelets grecs en or, vers 200 av. J.-C., Source - The Metropolitan Museum of Art
Joaillerie égyptienne
La joaillerie de style égyptien revival (années 1920, 1960/70) représentait un regain d'intérêt pour les styles anciens de la joaillerie égyptienne. Présentant des hiéroglyphes, des scarabées, des roseaux et des fleurs de lotus, la joaillerie égyptienne revival a été stimulée par la découverte de tombes égyptiennes antiques, notamment la tombe de Toutânkhamon en 1922.
Broche de revival égyptien, Theodore B. Starr, vers 1900, Source - The Metropolitan Museum of Art
Le bijou de revival égyptien a été créé à la fois à l'époque victorienne et à l'époque Art déco. Notamment, les pièces les plus célèbres ont été réalisées par Cartier dans les années 1930 à 1940. Ils utilisait des pierres précieuses aux couleurs vives telles que le lapis-lazuli, la cornaline et les émeraudes, mises en valeur par les favoris monochromes distinctement Art déco : l'onyx et les diamants !
Techniques de Bijoux de Revival Archéologique
Il existe une myriade de techniques magnifiques et complexes caractéristiques du bijou de revival archéologique. La plupart de ces techniques sont utilisées ensemble ou de manière interchangeable, avec de nombreuses techniques comme la granulation, le cannetille, la micro-mosaïque et les sujets mythologiques comme indicateurs stylistiques pour déterminer si une pièce est un revival archéologique.
Bijoux en Micro-Mosaïque
Les bijoux en micro-mosaïque sont une marque du revival étrusque et du bijou néoclassique. Ils ont été largement utilisés par Castellani, le célèbre joaillier italien qui avait un accès exclusif aux bijoux anciens étrusques.
Les bijoux en micro-mosaïque sont de plus en plus recherchés dans le monde des bijoux anciens, et sont encore fabriqués aujourd'hui. Ceci concerne à la fois la tradition florentine Pietra Dura et mosaïque vénitienne. La mosaïque vénitienne se compose de minuscules morceaux de verre coloré appelés tesselles, fabriqués à partir d'un verre vénitien spécialisé et réalisés dans des ateliers vénitiens exclusifs sous l'autorité du Pape. La Pietra Dura ne diffère que par le fait qu'elle était principalement fabriquée à Florence et façonnée à partir de pierres colorées hautement polies !
Les pièces en micro-mosaïque étaient souvent réalisées par le Vatican lorsqu'elles recevaient une donation importante de leur part, ce qui signifie que les pièces en micro-mosaïque appartenaient souvent à des mécènes très fortunés.
Les images contenues dans ces mosaïques reflètent la tendance et l'intérêt pour les sujets classiques, des scènes pastorales aux figures mythologiques. Par exemple, les Victoriens en vacances en Italie commandaient souvent et achetaient ces pièces comme souvenirs coûteux, en particulier ceux du Grand Tour.
Le Grand Tour était un passage obligé pour les jeunes aristocrates en âge de devenir adultes, qui parcouraient l'Europe sous la surveillance d'un chaperon, apprenant son histoire, son art, sa langue et sa philosophie. Beaucoup de jeunes hommes achetaient ou commandaient ces pièces pour eux-mêmes ou pour leurs proches restés au pays, faisant des pièces de revival archéologique un signe d'éducation et d'apprentissage distingué.
Intérieur du Panthéon à Rome, Giovanni Paolo Panini, vers 1734, Source - Wikimedia Commons
Un simple regard sur une pièce de micro-mosaïque joaillière révèle la quantité de travail minutieux investie dans la pièce. Considérée comme une œuvre d'art majeure, on peut aisément imaginer le nombre d'heures consacrées à la création de ces pièces.
Le métal, le marbre ou le plomb étaient couramment utilisés pour cimenter les tesselles dans leurs designs charmants. Le marbre noir était souvent employé, offrant un contraste saisissant avec les pièces colorées et créant une animation.
La marque italienne de bijoux Le Sibille honore cet art ancien en l'incorporant aujourd'hui dans des bijoux traditionnels et contemporains.
Granulation
La granulation est une technique de travail des métaux en joaillerie où la surface de la pièce est couverte de sphères ou granules de métal précieux.
On pense que la granulation a été utilisée pour la première fois par les Étrusques, ainsi que largement employée par les artisans grecs. Façon ornée et saisissante de décorer un bijou, il existe trois styles différents de granulation : le style contour, le style silhouette et le style silhouette réservée. Les différences entre ces styles résident dans l'emplacement des détails granulés.
Le processus de création des granules et de leur fixation à la surface du métal est incroyablement méticuleux et difficile, ce qui explique pourquoi il requiert une compétence technique avancée. De nombreux joailliers et orfèvres victoriens talentueux ont suivi une formation intensive pour perfectionner cette technique prisée des Étrusques.
Bien que la granulation ait été principalement utilisée dans les bijoux étrusques, des reliques survivantes de bijoux indiens et coréens présentent également cette technique élaborée et sophistiquée, comme en témoigne la photo de ces magnifiques boucles d'oreilles en or coréen ci-dessus !
Bijoux en cannetille
À ne pas confondre avec le travail de filigrane en or, les bijoux en cannetille sont fabriqués à partir de fils d'or fins ou de feuilles finement martelées qui étaient soudés sur les bijoux. La cannetille était conçue pour simuler une broderie fine sur les bijoux, leur conférant un aspect décadent et orné.
Les techniques de cannetille se retrouvent dans de nombreuses créations de bijoux européennes des années 1820 et 1830 et étaient particulièrement choisies pour la création de pièces en style renaissance étrusque. Pourtant, la cannetille, bien que laborieuse à réaliser, était un moyen relativement abordable de décorer et d'orner les bijoux, ce qui explique son usage si répandu dans les créations de bijoux victoriens.
Légendes mythologiques, camées et intaglios
Bien sûr, les Victorien et les Georgiens étaient fascinés par le passé, et les emblèmes et sujets mythologiques étaient largement représentés dans les pièces de revival. Par exemple, des portraits d'Hermès étaient gravés sur des fobs en quartz et des boucles d'oreilles en or en forme d'anneaux étaient façonnées en têtes de bélier pour honorer les dieux.
Les camées étaient un moyen populaire de représenter des figures allégoriques et mythologiques romaines et grecques, leur aspect albâtre renforçant leur attrait classique. Les pièces anciennes et de revival en camée sont fabriquées à la fois en verre, en pierre dure et en coquillages. En fait, certains camées ont été réalisés à partir de la lave du Vésuve - quelle incroyable et magique origine !
De plus, la période victorienne fut une époque où les croyances fondées sur la science prirent le pas sur les croyances religieuses, ce qui engendra beaucoup d'incertitudes et d'angoisses autour de la religion. On peut peut-être supposer que certains Victorien trouvaient du réconfort dans les pratiques religieuses des sociétés anciennes, qui étaient panthéistes (ayant plusieurs dieux, déesses et divinités) plutôt que dans les religions monothéistes (ayant un seul créateur suprême).
Indépendamment de ces angoisses religieuses, les divinités mythologiques sont devenues synonymes d'élégance, de pensée raffinée et d'intelligence d'un autre monde.
Collier avec pendentifs en forme de tête de satyre, Carlo Guiliano, vers 1870, Source - The Metropolitan Museum of Art
Bijoux en filigrane
Dans notre série de blogs "Jewellery Around the World", nous explorons l'art de la filigrane dans le contexte des bijoux traditionnels portugais et ibériques. Pourtant, la filigrane est très présente dans les pièces de revival archéologique. Par exemple, des bijoux anciens en filigrane ont été découverts dans les vestiges de la Mésopotamie, des pièces de l'Égypte ancienne, ainsi que de Chypre et de Sardaigne antiques. En fait, les historiens du bijou estiment que les pièces en filigrane sont devenues incroyablement raffinées tant dans les sociétés grecques anciennes que étrusques entre le VIe et le IIIe siècle av. J.-C.
Dans les collections actuelles du Louvre et du British Museum, il existe une multiplicité de ces pièces, principalement trouvées dans le centre de l'Italie.
Ainsi, bien sûr, les pièces revival créées au XIXe siècle imitaient certainement cet art ancien.
Or de carat élevé et pierres précieuses éclatantes
Peut-être que l'un des aspects les plus séduisants des bijoux étrusques et du revival archéologique est la combinaison de l'or brillant et des pierres précieuses saturées. Des tons sensuels des cabochons de grenat couleur raisin aux turquoises vivifiantes, des pierres telles que celles-ci, ainsi que les améthystes, émeraudes, lapis-lazuli et bien sûr, les diamants, étaient fréquemment utilisées dans les bijoux de revival archéologique. Les artistes joailliers incorporaient également des incrustations d'émail coloré s'inspirant stylistiquement des plantes, des animaux, des dieux et déesses comme Aphrodite, Éros, Niké et Zeus.
Le contraste des tons, en particulier ceux créés dans l'or de carat élevé, est infiniment agréable à l'œil.
Styles contemporains de bijoux archéologiques et leur présence dans la joaillerie actuelle
Bien sûr, rien ne nous plaît plus que de mélanger nos antiquités avec des bijoux contemporains et notre style contemporain.
Médaillon en or style étrusque revival victorien avec diamant central - Archives vendues Lillicoco.
Dans cet esprit, le revival archéologique est à bien des égards la solution idéale. Rien n'est plus fascinant que le passé, surtout les pièces provenant de sociétés anciennes vieilles de plusieurs milliers d'années, et les pièces de revival archéologique sont une fenêtre sur ce monde.
En fait, nous avons remarqué que de nombreux créateurs de bijoux de la grande distribution et de luxe s'inspirent à la fois littéralement et thématiquement de ces sociétés anciennes. Qu'ils soient eux-mêmes des marques italiennes, grecques ou égyptiennes ou simplement inspirés par les récits mythologiques, l'enchantement entourant ces styles et pièces ne semble jamais s'estomper.
Pendentif et chaîne Scarabée en argent Lillicoco.
D'une certaine manière, porter certains styles de bijoux archéologiques est perçu comme une déclaration féministe, en particulier les pièces qui vénèrent la forme féminine. De nombreux créateurs et marques de bijoux comme Hermina Athens utilisent des portraits de déesses grecques dans leurs créations. De plus, nous avons observé des motifs de la forme féminine rappelant la célèbre statue de la Vénus de Milo. Cela se confirme avec des noms tels que « pendentif Vénus » qui non seulement célèbre la déesse mais exprime aussi que porter une déesse est une réappropriation du corps féminin et une forme d'amour de soi.
Peu importe comment vous portez votre pièce d'inspiration archéologique, il est indéniable que ces trésors beaux et vibrants du passé sont aussi séduisants aujourd'hui qu'ils l'étaient autrefois.
Nous disposons d'une magnifique sélection soigneusement choisie de Pièces de style étrusque revival, et quelques Des pièces de style égyptien revival également! N'hésitez pas à parcourir et à nous faire savoir lesquels ci-dessous sont vos préférés !