Une époque artistique brève mais importante qui fait le pont entre le fin de siècle des 19e et 20e siècles ; c'est le style audacieux et nouveau de Art Nouveau.
Qu'est-ce que l'Art Nouveau ?
Art Nouveau se distingue des autres styles artistiques par son usage principal de lignes longues et sinueuses ainsi que par le monde naturel comme source majeure d'inspiration. Ses couleurs sont atténuées, mêlant des nuances organiques douces à des contours marqués.
Art Nouveau est un terme français se traduisant littéralement par « nouvel art », symbolisant une rupture significative avec les styles artistiques précédents. Le nom a été pris de la galerie d'art Maison de l'Art Nouveau (ou la Maison du Nouvel Art) à Paris, dirigée par Siegfried Bing. Bing était un collectionneur franco-allemand d'art avant-gardiste qui avait un œil pour les œuvres japonaises. La création de cette galerie en 1895 a servi de centre névralgique à l'impact de Art Nouveau. Meubles modernes et décorations étaient exposés aux côtés d'objets d’art.
L'Art Nouveau fut un mouvement artistique né en réaction à la domination établie des styles classiques et de leurs structures formelles rigides tout au long du XIXe siècle. Ses partisans cherchaient à placer les arts décoratifs au même niveau que les beaux-arts en termes de respect et de révérence.
Ce fut le style le plus populaire entre 1890 et 1910, prenant différents noms selon les pays du monde occidental. Ces formes régionales possédaient des caractéristiques spécifiques qui définissaient le mouvement dans ces régions.
Les Fondations de l'Art Nouveau à Travers le Monde
Bien que le nom provienne d'une galerie en France, l'Art Nouveau a débuté en Grande-Bretagne. Le designer britannique William Morris fut le pionnier du mouvement Arts and Crafts en 1880, qui fut l'une des inspirations majeures de l'Art Nouveau. Le goût de Morris pour les motifs floraux et son admiration pour le travail des artisans peuvent être considérés comme des piliers des philosophies de l'Art Nouveau.
Au Royaume-Uni, l'Art Nouveau était plus connu sous le nom de Modern Style. L'École de Glasgow en Écosse fut la force majeure dans l'expression de l'architecture Art Nouveau du pays.
Avec le commerce culturel croissant entre l'Est et l'Ouest à cette époque, l'art japonais fut une influence majeure dans la formation de l'Art Nouveau. Les estampes sur bois japonaises et leurs courbes caractéristiques en « fouet » capturèrent l'imagination des artistes européens. Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige et Utagawa Kunisada furent les plus grands influenceurs du japonisme.
Style moderne était un autre nom pour cette esthétique en France. Les villes de Paris et Nancy furent les lieux où le style proliféra le plus. Cela se voit dans les bâtiments ornés, les restaurants et les cafés.
En Allemagne, le style était appelé Jugendstil ou « style jeunesse » d'après le magazine d'art Die Jugend lancé par George Hirth en 1896. Ce périodique fut crucial pour la propagation de l'Art Nouveau dans tout le pays, particulièrement dans le domaine du design graphique. Les artistes autrichiens développèrent un style proche du Jugendstil appelé Secessionsstil ou la Sécession de Vienne.
Stile Liberty était le nom sous lequel l'Art Nouveau était connu en Italie. Le nom était tiré du grand magasin britannique Liberty & Co.
En Espagne, on le connaissait sous le nom de Modernismo ou Modernisme (en catalan), qui avait son style distinct basé sur un intérêt particulier pour le nationalisme catalan.
Les artistes belges l'appelaient Style nouille ou Style coup de fouet. L'architecte Victor Horta était à l'avant-garde du mouvement en Belgique.
Nieuwe Kunst était le nom aux Pays-Bas. Cet « Art Nouveau » s'exprimait en architecture vers les deux extrêmes de la fonctionnalité et de l'ornementation.
Encore moderne était le style popularisé en Russie, spécifiquement à Moscou et Saint-Pétersbourg, grâce à la publication de « The World of Art » en 1898. Cette manifestation de l'Art Nouveau était inspirée par le folklore russe.
Aux États-Unis d'Amérique, l'artiste et designer Louis Comfort Tiffany a mené le mouvement Art Nouveau à travers son travail du verre. La forte réputation de son entreprise et la prévalence de leurs produits ont conduit à ce que l'Art Nouveau soit connu sous le nom de Tiffany Style aux États-Unis.
L'Art Nouveau dans les arts visuels
Les textiles ont joué un rôle important dans la popularisation de l'Art Nouveau. Liberty & Co. vendait de nombreux textiles présentant des motifs floraux et des formes géométriques inspirées de la nature. Beaucoup de ces designs provenaient des esprits de William Morris, Margaret Macdonald Mackintosh, du Silver Studio et de la Glasgow School.
Le La Plante et ses applications ornamentales d'Eugene Grasset était le livre de référence sur l'utilisation de la vie végétale comme motifs décoratifs. Le folklore a également inspiré de nombreux designs créatifs sur des objets décoratifs tels que tapisseries et broderies.
Un autre vecteur pour l'acceptation grand public de l'Art Nouveau fut le design graphique. Avec l'avènement de la lithographie en couleur en 1798, les affiches colorées se sont largement répandues dans la publicité. Cela coïncidait avec l'essor des grands magasins. Les artistes concevaient ces affiches dans le style Art Nouveau, mettant principalement en scène des femmes glamour entourées de fleurs. Les couvertures de livres et les illustrations de magazines devaient capter et retenir le regard des lecteurs avec des motifs complexes dessinés en lignes audacieuses et sinueuses.
Aubrey Beardsley de Grande-Bretagne, Eugene Grasset de France, Alphonse Mucha de l'Empire austro-hongrois, et Koloman Moser de Vienne étaient quelques-uns des plus grands noms des arts graphiques Art Nouveau.
Les progrès dans les techniques de fabrication du verre — telles que la gravure à l'acide, le soufflage, la coloration et l'incrustation — se sont avérés essentiels à la prolifération du verre d'art dans le Art Nouveau.
Emille Gallé et les frères Auguste et Antonin Daum ont dominé la scène verrière en France avec leurs créations de vases et de verre d'art. Ces artistes étaient basés à Nancy, où les maisons Art Nouveau possédaient également des vitraux à motifs floraux.
L'innovation de Louis Comfort Tiffany dans la coloration du verre a donné naissance à l'éclat des abat-jours en verre Favrile. Cette technique mettait en valeur l'harmonie des beaux-arts et des arts appliqués que prônait le Art Nouveau.
Alors que le mouvement cherchait à égaliser les beaux-arts et les arts décoratifs, la peinture a pris un rôle plus pratique. Elle complétait l'architecture, le design d'intérieur et, par extension, le design de mobilier. Cela a abouti à une cohérence esthétique des bâtiments, à l'intérieur comme à l'extérieur, reflétant une vision forte de la beauté dans chaque élément constituant l'ensemble. Lorsque des peintures étaient créées explicitement comme œuvres uniques, elles représentaient une féminité fantaisiste.
Gustav Klimt fut l'un des principaux peintres de la branche Sécession viennoise de Art Nouveau. Il a orné les intérieurs de l'architecture viennoise par sa maîtrise picturale.
La fabrication de la céramique a connu des avancées technologiques, une influence est-asiatique et une application architecturale durant cette période. La gravure à l'acide fluorhydrique et le glaçage mat faisaient partie des techniques en vogue à l'époque.
Les motifs floraux de la Chine et du Japon pour leurs céramiques ont influencé les motifs de la poterie européenne. La société d'Alexandre Bigot fabriquait des carreaux en terre cuite et des décors pour les façades et intérieurs des bâtiments.
Architecture Art Nouveau
L'architecte et historien Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc a publié Entretiens sur l'architecture en 1872, où il prônait « une nouvelle architecture » fondée sur la technologie moderne de l'époque et l'unité de la décoration et de la fonction. Cette conviction a été reprise tout au long du mouvement architectural Art Nouveau.
À l'époque de l'âge industriel, qui a vu naître des villes aux grands bâtiments cubiques, les architectes ont cherché à insuffler la beauté de la nature dans leurs créations tout en tirant parti de techniques de fabrication complexes.
Les façades présentaient toutes sortes de décorations sous forme de fleurs, plantes et animaux. L'asymétrie était adoptée en opposition à l'aspect uniforme des bâtiments d'autrefois. Résidences, établissements commerciaux et institutions publiques semblaient avoir poussé du sol.
Les lignes fouettées des arts visuels de l'époque furent intégrées dans les arches paraboliques et hyperboliques, ainsi que dans l'ornementation organique. Le fer forgé apparent et le verre moulé en formes naturelles accentuaient les extérieurs, évoquant un sens du mouvement et de la vie. Des sculptures en terre cuite et des carreaux de céramique ornaient l'intérieur avec chaleur et couleur.
Ces ornements étaient traités avec autant d'importance que chaque brique et mortier pour atteindre les objectifs de conception de l'Art Nouveau. Les bâtiments et leurs décorations étaient considérés comme un tout.
Victor Horta fut le principal architecte du style en Belgique. Ses créations pour l'Hôtel Tassel et l'Hôtel Solvay à Bruxelles étaient des hommages structurels à la végétation et à la manière dont elle se déplace et occupe l'espace sur la terre.
L'architecte français Hector Guimard s'est inspiré du travail de Horta après avoir visité l'Hôtel Tassel. Guimard appliqua des principes similaires à la conception du Castel Béranger, un appartement somptueux à Paris. Le gouvernement français lui commanda ensuite de travailler sur les entrées du Métro parisien, dont l'ouverture était prévue en 1900. Le travail complexe en verre et fer, évoquant des gousses de graines et des pousses de haricot, accueille encore aujourd'hui les voyageurs parisiens.
Antoni Gaudí de Barcelone, en Espagne, est un autre titan de l'architecture Art Nouveau . La Casa Mila combine pierre et fer dans un chaos curviligne contrôlé. La Casa Batlló se dresse comme un édifice d'un autre monde avec son placage incurvé de fer et de verre, à la hauteur de son nom « la Maison des Os ».
De l'autre côté de l'Atlantique, Louis Henry Sullivan a marqué l'histoire de l'architecture avec ses motifs végétaux et en nid d'abeille pour le Wainwright Building, le Guaranty Building et la Bourse de Chicago.
Ålesund, en Norvège, a subi de grands incendies en 1904, si bien que la ville a été reconstruite presque entièrement dans le style Art Nouveau .
Mode Art Nouveau
L’influence de Art Nouveau sur la mode est liée à l’essor des prestigieuses maisons de couture parisiennes. La Chambre Syndicale de la Couture Parisienne a organisé une structure commerciale que les maisons de couture respectables devaient suivre. Cela a conduit à un effort coopératif pour promouvoir Paris comme la force prééminente de la mode. Comme cela s’est produit pendant le mouvement Art Nouveau, le style se reflétait dans les créations des couturiers, que seule l’élite mondiale avait le privilège de porter.
Les couturiers ont le plus exprimé leurs sensibilités Art Nouveau dans les vêtements de soirée. Les robes de soirée relevaient du domaine de l’art décoratif, affichant des broderies florales complexes, des appliqués et des bordures en dentelle. La silhouette en S restait populaire, s’adaptant parfaitement à l’esthétique sinueuse du « New Art ».
On assista à un passage à une silhouette plus douce et naturelle qui abandonnait le corset serré. L’ambiguïté des genres et le confort étaient des objectifs de design, les couturiers pour femmes s’inspirant du vêtement masculin sur mesure.
Les créateurs renommés de l’époque étaient Jean-Philippe Worth de la Maison Worth, Paul Poiret et Jeanne Paquin, entre autres. Leur travail incarnait le luxe, la beauté et l’expérimentation de la mode Art Nouveau.
Des magazines de mode autoritaires comme Les Modes, La Mode Illustrée et The Ladies Field jouaient un rôle important dans la diffusion du style vestimentaire auprès des femmes des classes supérieures et moyennes.
Bijoux Art Nouveau
Les thèmes de la bijouterie Art Nouveau suivaient le style global du mouvement. La flore, la faune et la forme féminine étaient célébrées. Le design et le mélange des couleurs entourant les pierres précieuses étaient aussi importants, voire plus, que les pierres elles-mêmes. Les bijoutiers n’étaient pas limités aux pièces typiques et mettaient leur savoir-faire au service de l’embellissement d’accessoires comme les éventails, les montres de poche et les peignes.
Les motifs naturels populaires étaient les oiseaux et les insectes ailés comme les papillons et les libellules. Les femmes figuraient en bonne place sur des pièces extravagantes telles que les colliers avec pendentifs et des œuvres plus sobres comme les camées, prenant des formes fantastiques et même érotisées. Les cheveux longs et fluides servaient de lignes courbes frappantes qui définissaient Art Nouveau.
Les diamants étaient l'attraction principale des bijoux des époques précédentes, mais ils ont cédé la place à des pierres précieuses plus colorées comme l'agate, l'aigue-marine et l'opale durant le mouvement Art Nouveau. Les perles baroques étaient également en vogue pour leur taille et forme remarquables. Des matériaux comme la corne chauffée et l'ivoire sculpté étaient utilisés pour créer des pièces novatrices.
L'émail est également devenu plus important. La technique du plique-à-jour permettait à la lumière de traverser l'émail, ajoutant de la translucidité au design.
René Lalique fut le créateur de bijoux le plus prolifique de l'époque. Il fut apprenti chez Louis Aucoc, une figure importante du début de l'Art Nouveau en joaillerie, dont l'atelier parisien jouissait d'une grande réputation dans l'industrie.
Lalique doit une grande partie de son succès au patronage de ses pièces par l'actrice de théâtre et de cinéma Sarah Bernhardt. La célébrité de Bernhardt associait les bijoux de Lalique à la renommée et à la fortune. L'excès qui se dégageait des pièces de Lalique, ainsi que de ses contemporains, signifiait que seules les personnes de haute société, comme Bernhardt, pouvaient se permettre de tels objets luxueux.
Cette association avec l'opulence, sans parler de leur fragilité, a fait des bijoux Art Nouveau une tendance aussi éphémère que le mouvement stylistique lui-même. Seuls quelques privilégiés pouvaient les porter, et ils étaient beaucoup plus faciles à mettre de côté et considérés comme des objets d'art.
La fin brutale de l'Art Nouveau
La quête de la beauté dans l'artisanat et la priorité donnée à l'ornementation dans Art Nouveau ont finalement conduit à des designs décoratifs jugés excessifs par les critiques. Ils étaient considérés comme trop somptueux au point de la frivolité. Les masses avaient peu ou pas accès aux œuvres produites dans ce style, ce qui n'a guère influencé la perception de l'art par le grand public.
Art Nouveau a été rapidement abandonné avant la Première Guerre mondiale et a été suivi par les designs plus simples et l'attrait plus large de l'Art déco qui a émergé dans l'entre-deux-guerres des années 1920 et 30.