Qu'est-ce que l'Art déco ?
L'Art déco fut une réaction au mouvement Art nouveau de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, qui présentait une esthétique organique et sinueuse mettant en valeur des formes géométriques nettes, angulaires et symétriques avec des couleurs clairement délimitées. Ce style insuffle un design décoratif simple dans des objets fonctionnels.
Le nom est une abréviation de l'expression Arts Décoratifs, tirée de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes - une exposition d'art tenue à Paris, France, en 1925. Le style lui-même était déjà en usage pour la création de bâtiments commerciaux et publics à Paris avant cette exposition, mais c'est cet événement qui a attiré l'attention des artistes et esthètes du monde entier sur l'Art déco.
À ses débuts, les œuvres dans le style Art déco dégageaient luxe et glamour, utilisant des matériaux rares (par exemple ébène, ivoire, corne, platine) et même des éléments inhabituels (par exemple peaux de zèbre et peaux de requin). Alors que le monde sombrait dans les affres de la Grande Dépression après 1929, des matériaux courants comme l'acier, le plastique, le chrome et le verre commencèrent à être utilisés plus fréquemment.
L'Art déco s'est inspiré de diverses sources. Il a été grandement influencé par le cubisme, un style artistique qui décompose la réalité en formes géométriques audacieuses, initié par Pablo Picasso et Georges Braque dans les années 1900. L'art provenant de l'extérieur du monde occidental a également façonné l'esthétique de l'Art déco, notamment ceux d'origine aztèque et égyptienne ancienne.
Pour capturer l'esprit du progrès, l'Art déco s'est tourné vers la machine. L'industrialisation mondiale avait rapidement transformé la manière de vivre des gens, et les artistes de l'époque admiraient l'efficacité de la production de masse et son impact sur la personne ordinaire.
Les trains, paquebots et automobiles étaient les icônes de l'industrie, leurs designs s'infiltrant donc dans la philosophie formelle des adeptes de l'Art déco.
L'Art déco dans les arts visuels
Avec la volonté de créer un art qui capte l'imagination des masses, les graphistes ont largement exploité l'air de modernité que dégageait l'Art déco.
Les affiches des années 1920 et 30 faisant la publicité de voyages, d'événements et des derniers produits présentaient toutes les caractéristiques du style alors connu sous le nom de Art Moderne. Les « moustaches de vitesse » sur les roues d'automobiles et les trains représentaient le mouvement en avant, et le métal aérographié montrait la promesse de la technologie.
Les couvertures des derniers magazines éclataient de couleurs vives et unies en larges blocs et lignes parallèles. La typographie était élégante et audacieuse, transmettant des messages forts et simples à leurs publics.
Après avoir bénéficié de siècles de révérence de la part de la haute société et du public, l'art raffiné de la peinture s'est retiré des projecteurs au sommet de l'Art déco. Comme le but principal du style était alors de mettre en valeur d'autres œuvres, les peintures étaient intégrées aux bâtiments en tant que compléments aux travaux réalisés dans ces établissements.
Beaucoup de ces peintures prenaient la forme de fresques murales. Des peintres tels que Jean Dupas, Rockwell Kent et Diego Rivera représentaient des personnes en mouvement à travers le temps et l'espace.
Tamara de Lempicka s'est distinguée par ses portraits Art déco des riches et célèbres.
En tant qu'autre art visuel classique, la sculpture a trouvé davantage d'usage dans les objectifs de conception hautement fonctionnels de l'Art déco.
Les statues dominent et exigent donc l'attention, s'associant bien aux figures frappantes que l'architecture de l'époque imposait aux villes animées et aux lieux publics bourdonnants. Aucune autre sculpture ne se démarquait autant que le Christ Rédempteur de Paul Landowski, surplombant les habitants de Rio de Janeiro du haut du mont Corcovado.
Des sculptures Art déco beaucoup plus petites ont également marqué leur environnement. Les salons et halls d'accueil des entreprises privées étaient dotés de statuettes et de reliefs, représentant des personnes dans une posture idéalisée et héroïque.
Architecture Art déco
Dès les années 1920, l'industrialisation avait fait des villes des centres de commerce, de résidence et de divertissement. Les bâtiments de ces villes ne servaient pas seulement de structures physiques pour abriter les personnes et les entreprises, mais également de symboles monolithiques du progrès, promettant que l'avenir était quelque chose à attendre avec impatience, surtout après la Première Guerre mondiale. L'Art déco vendait cette vision dans toute sa splendeur et sa promesse.
Incarner l'esprit de modernité dans le domaine de l'architecture était le rôle des gratte-ciel érigés dans les grandes villes d'Amérique. New York City se vantait de posséder certains des plus hauts bâtiments, tous conçus dans le style Art déco. Sans aucun doute, le plus emblématique était l'Empire State Building, mais le Chrysler Building et le Rockefeller Center sont deux autres exemples célèbres. Tous illustrent la puissance des lignes pures s'élevant haut et ornées au sommet de flèches et de motifs géométriques.
Les établissements de divertissement attiraient l'attention de leur public avec des couleurs audacieuses et vives en traits parallèles verticaux et des intérieurs grandioses. Le cinéma était la grande attraction, puisque l'intégration du son était devenue commercialement viable. Ainsi, les cinémas devaient accueillir davantage de spectateurs. Des "palais du cinéma" furent construits, certains des plus grands pouvant accueillir des milliers de personnes.
Le Grand Rex à Paris présentait une tour, typique de la verticalité de l'architecture Art déco. Le Grauman's Egyptian Theatre à Hollywood, comme son nom l'indique, a été construit avec une utilisation abondante d'imagerie égyptienne, misant sur l'exotisme pour transporter les cinéphiles dans un autre monde.
Le Radio City Music Hall à New York, quant à lui, pouvait accueillir jusqu'à un impressionnant public de 6 015 personnes dans ses premières années, et il demeure intact tel qu'il était à son ouverture en 1932.
Tout aussi remarquables que les capacités de ces bâtiments étaient les décors intérieurs qui ornaient leurs halls.
Les combinaisons de marbre coloré et de céramique mêlées à du vitrail et de l'acier inoxydable poli étaient abondantes. Des reliefs de figures humaines et des chevrons et zigzags répétés complétaient les grandes fresques murales. Des sculptures et meubles incrustés d'ivoire et de nacre accentuaient les intérieurs.
La Grande Dépression a cependant eu un effet sobre sur le design somptueux de l'architecture Art déco. Avec des économies en forte récession, la construction devait être plus pratique et moins extravagante. Avec une orientation esthétique plus sobre et moins ornée, le Streamline Moderne fut le style architectural qui a suivi l'Art déco dans les années 1930.
Le Streamline Moderne conservait les fondements conceptuels de simplicité et d'élégance moderne de l'Art déco, mais échangeait les angles forts et les couleurs vives contre des courbes douces et des blancs atténués.
La verticalité a cédé la place à de longues lignes horizontales. L'aérodynamisme était important dans les avancées technologiques, ce qui se reflétait dans l'architecture Streamline Moderne. Les architectes de cette philosophie artistique s'inspiraient aussi des designs nautiques, intégrant des rambardes et des hublots dans les terminaux de transport.
Mode Art déco
L'opulence et l'innovation technologique étaient certainement les signatures des Années folles, mais cette époque a également marqué des progrès sociaux importants, notamment pour les femmes.
Le suffrage féminin à travers le monde avait gagné du terrain dans la décennie précédente, conduisant à ce que davantage de pays établissent le droit de vote des femmes dans les années 20. Avec un prestige politique et culturel accru, plus de femmes ont commencé à se libérer de l'image traditionnelle que la société leur imposait, et c'est dans le domaine de la mode que cette liberté s'est le plus clairement exprimée.
Les tailles cintrées, les grandes coiffures, les poitrines généreuses et les robes sur mesure élaborées ont été remplacées par une silhouette tubulaire, des coupes de cheveux plus courtes, des ourlets plus hauts et des tissus produits en série.
Les magazines de mode sont devenus populaires, diffusant les dernières idées vestimentaires de Jeanne Lanvin et Paul Poiret plus loin et plus rapidement entre les mains des dames de toutes classes. Les stars de cinéma sont nées, lançant des tendances que chaque fille voulait imiter. L'Âge du Jazz battait son plein dans les clubs et speakeasies. Les femmes sortaient et vivaient l'Art déco.
C'est l'image de la Flapper qui personnifie la femme à la mode Art déco ; la robe sans manches épurée, les couleurs distinctes et les accessoires ornementaux composent tous le look vintage Flapper.
L'influence d'Hollywood sur la mode féminine des années 20 et 30 ne peut être sous-estimée. Le glamour des idoles du grand écran était inédit. Ce que les actrices principales portaient lors des événements de la haute société était le modèle que chaque femme fortunée devait suivre.
Comme pour tout ce qui est Art déco, les angles étaient prédominants dans leurs robes. Les tissus et les ornements étaient riches et réfléchissants. Les robes s'étendaient jusqu'au sol.
Le « sportswear » en tant que style débuta également à cette époque, grâce à Coco Chanel. Avec l'augmentation de la participation des femmes aux sports et aux loisirs, il devint nécessaire d'avoir des vêtements fonctionnels et confortables tout en restant élégants. Ainsi, des tissus légers comme le coton, des pantalons aérés et des vestes masculines furent introduits sur le marché.
Bien que les robes fussent relativement épurées, les femmes s'accessoirisaient abondamment. Le chapeau cloche était indispensable, orné de plumes, de glands et de broches. Les femmes se maquillaient en public, donc le poudrier devait être élégant. Sequins et perles pendaient des robes et des sacs à main.
Les sommets d'extravagance atteints par la mode furent finalement ramenés à la réalité par la Grande Dépression. Cela ne signifiait cependant pas un recul complet de l'audace caractéristique de l'Art déco.
Alors que les longueurs de jupes diminuaient et que l'ornementation se réduisait, les robes ajustées revenaient à la mode avec les femmes cousant leurs propres vêtements. Elles avaient aussi la possibilité de choisir des tenues prêtes-à-porter dans les catalogues des grands magasins proposant des pièces abordables mais élégantes.
Bijoux Art Déco
La prospérité de l'après-guerre se reflétait dans la variété des bijoux portés, et les bijoux Art déco étaient brillants, colorés et exotiques.
Les diamants étaient les principales pierres précieuses qui ornaient les bijoux des décennies précédentes, d'où une tendance aux pierres précieuses de couleurs vives ainsi qu'à l'onyx et à l'émail noir pour marquer un changement d'époque.
L'émeraude, le jade, le corail, le lapis-lazuli et la turquoise, entre autres, étaient incrustés dans l'or, alors que les influences est-asiatiques et égyptiennes parvenaient au monde occidental.
Cela n'a toutefois pas freiné la domination des diamants. Le platine est devenu plus courant comme métal de base, en raison de sa malléabilité et de sa durabilité. La brillance chromatique nette complétait l'éclat des diamants, conférant une esthétique luxueuse tout en blanc. L'or blanc est devenu une alternative populaire en association avec les diamants. Le noir profond de l'onyx crée un contraste saisissant avec l'éclat des diamants.
Les avancées technologiques dans le travail des métaux et la taille des pierres précieuses ont permis l'apparition de motifs géométriques symétriques plus fins - une signature de l'Art déco - dans les bijoux. Les machines de moulage sous pression ont rendu possibles des dessins de filigrane complexes. Les pierres précieuses étaient taillées pour s'adapter à des créations sur mesure, appelées pierres taillées calibré.
La nacre, le métal poli, le verre sculpté et même les roulements à billes faisaient partie des matériaux peu communs utilisés dans la confection des bijoux de cette période.
Les bijoux complétaient les changements radicaux de la mode féminine. Les pièces élaborées accentuaient les robes épurées et rétrécies. Les boucles d'oreilles pendantes encadraient le visage maquillé et coiffé court. De longs colliers de perles pendaient sur des décolletés plongeants et des dos nus. Des montres pendentifs se balançaient au cou de nombreuses dames.
Bracelets et jonc ornaient les bras nus. Les montres-bracelets sont passées d'instruments hautement fonctionnels utilisés par les hommes pendant la Première Guerre mondiale à des pièces de mode serties de pierres précieuses portées par les femmes. Les bagues cocktail étaient un autre accessoire majeur dans les parures féminines.
Étui à cigarettes art déco, années 1920
(Source : 1stdibs)
Alors que les femmes prenaient plaisir à fumer en public, les porte-cigarettes et étuis devaient également renforcer l'image d'opulence. Les maisons de joaillerie ont intégré des motifs géométriques et des designs d'inspiration est-asiatique, incrustant des pierres précieuses dans la fabrication de ces objets.
La mort et la renaissance de l'Art déco
Bien que la Grande Dépression ait atténué la vitalité de l'Art déco durant les années 1930, ce style s'est adapté. C'est le cataclysme de la Seconde Guerre mondiale qui a finalement mis fin à l'exubérance de l'Art déco et à son influence sur la culture et la société en général. Ce qui a suivi fut les styles plus sobres et uniformes du modernisme.
L'Art déco a connu une renaissance dans les années 1960, notamment après que l'historien de l'art Bevis Hillier ait documenté les œuvres de ce style dans son livre Art Deco of the 20s and 30s. L'Art déco, avec son regard toujours optimiste sur la modernité, reste aujourd'hui une source d'inspiration dans le monde du design graphique, de la mode et du design mobilier.